El Criticón

Opinión de cine y música

Archivos mensuales: enero 2017

La visita


The Visit, 2016, EE.UU.
Género: Misterio, terror, drama.
Duración: 94 min.
Dirección: M. Night Shyamalan.
Guion: M. Night Shyamalan.
Actores: Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Deanna Dunagan, Peter McRobbie, Kathryn Hahn.

Valoración:
Lo mejor: Una atmósfera inquietante con tramos perturbadores. Una combinación de géneros (sólido drama, inesperada comedia negra) que ofrece un filme con bastante personalidad y originalidad.
Lo peor: No ha alcanzado la fama merecida, mientras infinidad de títulos de escasa calidad han tenido más éxito.
Mejores momentos: Los bajos de la casa. La última noche juntos: juegos, sótano, revelaciones…
Versiones: Al parecer Shyamalan rodó dos versiones opuestas de la película, una en plan comedia, otra de terror puro. Al final optó por un término intermedio.

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Después de las numerosas mediocridades que ha dado el cine de “metraje encontrado”, eso de que vemos la película como si hubiéramos hallado una grabación amateur e improvisada de los hechos, y de lo bajo que estaba cayendo la carrera de M. Night Shyamalan después de empezar tan, tan alto, no tenía esperanzas en La visita. Pero me he llevado una grata sorpresa. Alejándose de las limitaciones artísticas que implica trabajar para un gran estudio (te obligan a seguir una línea –como él dice, le gusta experimentar, como es obvio viendo cómo jugó aquí con el terror y la comedia para ver qué le gustaba más-, te imponen ideas sobre la marcha, te quitan el montaje final, te publicitan la película como algo que no es –El bosque no era de terror, mucha gente fue engañada y no la entendió-), volviendo a sus raíces de cine de autor, recuperamos a la mente inspirada y al hábil artesano de misterio y horror que es capaz de llevar el género a nuevas fronteras, de sorprender con ideas y argumentos tremendamente originales.

La narrativa a lo grabación casera fluye de forma más verosímil y efectiva que de costumbre, logrando alejar la cinta de todos esos engendros que van de originales pero resultan forzados y llenos de viejos clichés mal disimulados. Sí, hay algún momento donde parece que el chaval consigue planos muy artísticos a pesar de estar en situaciones de tensión, o donde aparece un efecto sonoro de la nada para terminar de meter miedo (debajo de la casa suena un murmullo de origen desconocido), pero por lo general el relato se desarrolla de forma más espontánea, verosímil, hasta en los instantes de mayor caos. De hecho va incluso más allá, porque también logra distanciarse de los problemas que arrastra el terror en general: historias repetitivas, personajes planos, y abuso de sustos básicos.

El suspense y el terror se manifiestan a través de situaciones más o menos cotidianas y terrenales, pero realzadas en su versión más perturbadora, es decir, mantiene una conexión con la realidad, no hay entes fantasiosos cuyas reglas tienes que definir si no quieres que resulte confuso (por ejemplo It Follows e Insidious no tenían ni pies ni cabeza), sino una sensación desagradable de “eso podría pasarme a mí”. Los entrañables abuelos se convierten poco a poco en la peor pesadilla de los chavales: un rasgo de demencia por aquí, una situación incómoda por allá (los pañales), y Shyamalan te empieza a poner nervioso. Cuando la cosa comienza a irse de madre, con la abuela sonámbula y el abuelo haciendo otras cosas raras, acabas sumergido en un ambiente de terror psicológico de muy buen nivel: desasosegante, desagradable a veces, imprevisible en muchos momentos, y con sustos bastante efectivos. Sólo con un cuento relatado por la abuela es capaz de dejarte mal cuerpo, así que las escenas más explícitas dan bastante canguelo. En estas condiciones no se puede criticar negativamente que termine recurriendo a algún cliché del género: la visión nocturna no parece forzada, sino que llega en el momento justo en que permite rematar la escena pasando de la congoja a las ganas de salir corriendo. Y no falta el giro final que pone patas arriba todo lo que llevamos visto y te deja, como se suele decir, con el culo torcido.

A través de los protagonistas construye un drama con la suficiente profundidad e interés como para llegar con fuerza al espectador. Los chicos sufren las secuelas de la separación familiar, con sentimientos como ansiedad y culpabilidad que explotan en forma de tics y limitaciones de funcionamiento social (ella no se mira al espejo, él está obsesionado con los gérmenes). La madre no está mejor, porque arrastra la lejana y dolorosa separación con los padres. Es decir, se habla, más o menos sutilmente, de problemas de relaciones: familias rotas, soledad, perdones, orgullo mal entendido… Así pues, el terror psicológico sale muy reforzado al tener unos roles con los que identificarse férreamente, mientras que en el subgénero de “metraje encontrado” se alza como la única propuesta seria y sólida, lejos de los artificios vacuos habituales. No hay más que comparar con Cloverfield (Monstruoso), incomprensiblemente una de las más exitosas de este estilo, cuyos caracteres oscilaban entre lo insustancial y lo cargante y se convertían pronto en una barrera a la hora de sumergirte en una historia que al final también se quedaba en dos topicazos cutres a pesar de tanto enredo visual. Y cabe destacar el impecable papel de los ancianos Deanna Dunagan y Peter McRobbie y la asombrosa naturalidad de los dos jóvenes intérpretes, Olivia DeJonge y Ed Oxenbould. Es una vergüenza que no hayan tenido en cuenta a los últimos en la temporada de premios.

Además Shyamalan también se atreve con la comedia, alegrando pasajes de transición, tirando hacia un humor negro que descoloca (el chiste del crío justo después de uno de los sustos más gordos, el de la abuela desnuda: “¡Me he quedado ciego!”), e incluso soltando algunos destellos de auto parodia extraños pero efectivos (el típico trueno que llega en el momento justo para rematar un susto consigue, en una de las apariciones más locas del abuelo, terminar de formar una escena desconcertante). Por último, también se podría señalar alguna referencia a cuentos clásicos (de esos inicialmente de miedo pero de los que han ido calando más las versiones infantiles, por Disney principalmente), sobre todo Hansel y Gretel de los Hermanos Grimm. La escena de la abuela (bruja) y el horno es el mejor ejemplo, y no está excenta del tono de recochineo tan peculiar.

Lo único que acusa La visita es la maldición propia del cine de terror: en siguientes visionados obviamente los sustos no te acojonarán tanto. Pero, al contrario de lo que suele ser también habitual, al abordar con inteligencia y gran originalidad otros géneros permite que se pueda disfrutar una y otra vez. Shyamalan añade a su currículo otra de suspense y terror original y con personalidad bastante superior a la media… pero que también ha sido bastante incomprendida, como las magistrales Señales y El bosque. Al menos costó poquísimo (cinco millones de dólares) y casi llega a los cien, así que rentable ha sido. Espero que el tiempo la vaya poniendo en su lugar.

Ver también:
After Earth.
Airbender, el último guerrero.
El incidente.
La joven del agua.

Deepwater Horizon (Marea negra)


Deepwater Horizon, 2016, EE.UU.
Género: Acción, drama.
Duración: 107 min.
Dirección: Peter Berg.
Guion: Matthew Michael Carnahan, Matthew Sand.
Actores: Mark Wahlberg, Kurt Russel, John Malkovich, Gina Rodríguez, James DuMont, Kate Hudson, Dylan O’Brien.
Música: Steve Jablonsky.

Valoración:
Lo mejor: El ritmo es algo intenso, sin bajones ni en las partes más expositivas.
Lo peor: No termina de arrancar nunca, esperas que llegue algo grande pero acaba sin dejar huella.
El título: La distribuidora le ha puesto Marea negra. Con la afición que suelen mostrar por los títulos en inglés, ¿qué tenían en contra de mantener el nombre de la plataforma? Es pegadizo y fácil. Y desde luego, la marea negra no es la protagonista de la película, sólo se menciona al final en texto en pantalla.

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Tras deslumbrar en su presentación en la pantalla grande con Very Bad Things, Peter Berg no volvió a ofrecer nada tan original y redondo, decantándose por un cine más comercial donde no exprimía su potencial: El tesoro del Amazonas, Hancock, La sombra del reino y Battleship son bastante olvidables. Pero en su siguiente obra personal retornó ese realizador habilidoso y comprometido: El último superviviente. Su guion no es complejo ni profundo, pero es que tampoco se requería, así que cumple de sobras; ni tampoco se veía algo esperable en una obra hollywoodiense sobre el ejército: el patriotismo aparece en su justa medida. Pero en lo visual resultó un ejercicio narrativo impresionante, regalándonos una de acción bélica memorable.

Su siguiente largometraje, Deepwater Horizon, llegaba con unos avances bastante espectaculares. ¿Tendríamos al Berg comercial o al inspirado? Pues me temo que se inclina por lo primero. A pesar de que el argumento amaga con mostrar un drama serio y de grandes pretensiones y calado, tanto el guionista Matthew Michael Carnahan (con el que colaboró también en La sombra del reino) como el propio director parecen empeñados constantemente en limitar sus posibilidades, optando por a una de acción al uso. Me recuerda mucho a United 93: una historia real tratada con demasiada distancia y frialdad, soltando unos pocos datos y acción en fila a toda leche pero sin trabajarse lo más mínimo el espectro emocional ni tampoco el alcance, porque requería una complejidad que no parecen buscar.

Tenemos decenas de personajes en distintos puestos de la plataforma, el barco de los residuos, las agencias de emergencias… Pero sólo unos pocos van más allá de simples elementos de la trama, y no es que se haga un gran trabajo con ellos. El empresario villano, el jefe responsable y el héroe protagonista tienen un dibujo extremadamente superficial, y apenas tenemos secundarios dignos de mención: la mujer del prota, el currante simpático y otros trabajadores con mucha presencia carecen de personalidad, aparecen en muchas escenas pero sin dejar huella alguna. No puedes formar un drama coral sin darle entidad y una historia a cada protagonista. Así, la cinta va avanzando saltando constantemente entre grupos de trabajo, pero sin que llegue a narrar ninguna odisea personal concreta. Llega el accidente, corretean y se salvan o mueren, no hay más. Demasiada anécdota, frase chorra suelta (“He dejado el café”), y poca, o más bien ninguna, concreción y profundidad, y por extensión, muy poca o ninguna conexión emocional. La trama más o menos igual. Parece que iban a poner algo de esfuerzo en explicar cómo funciona la plataforma, pero se limitan a cuatro datos vagos que describen el accidente, sin llegar a transmitir una idea clara del trabajo y el ambiente en general. Por supuesto, en este panorama no esperes un gran retrato del entorno y un análisis crítico de los hechos. Cumplen mostrando un par de escenas del empresario ambicioso contra el jefe prudente, y ya está.

Pero la narrativa es también veloz y algo enérgica, con lo que, aunque no se ahonde en nada al menos te dejas llevar. Y la acción, aunque tarda en aparecer y no destaca especialmente, mantiene un nivel de intensidad constante y Berg no se pierde entre los varios los frentes abiertos, siempre sabes dónde estás y siempre hay algo movidito a lo que atender. Además Mark Walhberg desprende una simpatía contagiosa en todas sus películas, con lo que incluso con su esquemático personaje te engancha.

Así pues, esto no está en la onda de El coloso en llamas, una de catástrofes que combinaba el drama serio con la acción aparatosa logrando un por lo visto inigualable referente para el género. Pero si haces la vista gorda a todo su potencial ignorado queda un entretenimiento sin pretensiones e inofensivo con el que pasar el rato.

El estreno casi se junta con el nuevo proyecto del realizador, Patriots Day (Día de patriotas), que tendría una postproducción mucho más corta. Por los avances, tiene pinta de ser el mismo estilo de película, y esta vez también promete un tono patriota claro.

El contable


The Accountant, 2016, EE.UU.
Género: Acción, suspense, drama.
Duración: 128 min.
Dirección: Gavin O’Connor.
Guion: Bill Dubuque.
Actores: Ben Affleck, Anna Kendrick, J. K. Simmons, Jon Bernthal, Cynthia Addai-Robinson, John Lithgow.
Música: Mark Isham.

Valoración:
Lo mejor: Bien rodada. Ben Affleck se esfuerza.
Lo peor: Mezcla de géneros sin coherencia. Ritmo apático. Un final muy rebuscado.

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Warrior tuvo una distribución pésima y nulo apoyo publicitario a pesar de su potencial para ganar premios (épica historia de superación personal, drama familiar intenso, actores espléndidos), es decir, el estudio no se mojó por ella. Pero el boca a boca la mantiene muy viva, sobre todo en internet, y los cinéfilos la tenemos como una obra muy a destacar en los últimos años, y más teniendo en cuenta que en comparación con las tonterías que alaban los festivales de premios más importantes gana por goleada.

Por ello esperaba, y supongo que todos los que la vieron también, que el siguiente título de su realizador, Gavin O’Connor, mantuviera el nivel y de paso corriera mejor suerte. Pero aunque esta vez ha contado con más apoyo del estudio (el doble de salas en su estreno y más publicidad) y ha tenido mejor acogida en taquilla, la calidad es otro cantar. En esta ocasión no ha elegido un guion que dé la talla, de hecho cabe señalar que Bill Dubuque también escribió El juez, otro drama lleno de sensacionalismo barato. Y me temo que, a pesar de la buena labor con la cámara, O’Connor tampoco ha sabido darle la forma adecuada, es decir, potenciar sus virtudes, disimular sus carencias. De hecho me da la impresión de que intenta otorgarle seriedad, reforzar el drama, cuando el argumento tira más por el thriller de acción, lo que precisamente remarca más el desequilibrio.

Inicialmente nos muestra su cara seria, con una historia sobre la vida de un chico autista y cómo en su maduración consigue encajar en la sociedad. Pero de repente pasa a la acción en un giro más chocante que sorprendente, sumergiéndonos en una aventura tipo James Bond y Jason Bourne, con un héroe superdotado y peleas y tiroteos exagerados. En este género la cinta muestra sus carencias: primero, el protagonista no es creíble, segundo, la trama a desentrañar es muy floja, sin sustancia ni intriga.

Lo cierto es que Ben Affleck se esfuerza y consigue estar ranozablemente bien como autista, pero el personaje en sí es una fantasmada en la onda de El protector (The Ecualizer) y se mantiene entre inverosímil y cargante durante todo el metraje. También se remarca demasiado el dilema ético del agente del FBI (J. K. Simmons), otro rol que resulta un tanto artificial, mientras a la vez su ayudante (la desconocida Cynthia Addai-Robinson) queda totalmente desdibujada a pesar de tener mucha presencia. De hecho está claro que estos dos están puestos en el relato únicamente para remarcar el tono conservador tan rancio al estilo El protector: la loa al pistolero solitario, al vigilante nocturno que acaba con los maleantes y tumba las malvadas corporaciones sin un proceso justo y legal. En cuanto a los villanos… es como si no existieran, son meros trámites con los que cumplir y el único recuerdo que dejan es que Jon Bernthal (The Walking Dead, Daredevil) nos tortura con otro papel lamentable.

La historia se va desgranando con unos pocos momentos decentes que consiguen salvarla del abismo de la indiferencia, como la relación con los ancianos granjeros o con la becaria (Anna Kendrick), que aportan un poco de humanidad a un relato muy frío. Pero en el tramo final tratan de combinar un gran pero predecible colofón (típico asalto definitivo a la guarida del malo) con un retorno al drama, y aquí más que nunca la mezcla de ambos estilos falla, sobre todo porque el desenlace es una mala copia del de Warrior, cayendo en un cierre más cómico que emotivo.

Si O’Connor se hubiera decantado por el thriller desde un principio quizá hubiera conseguido una mejor película, una más natural, honesta y equilibrada. Las fallas de ritmo, los cambios de tono, lo previsible y a la vez impostado que resulta todo, lastran demasiado una cinta con potencial que se queda en otra más de acción de ver y olvidar.

Hasta el último hombre


Hacksaw Ridge, 2016, EE.UU.
Género: Drama, bélico.
Duración: 139 min.
Dirección: Mel Gibson
Guion: Robert Schenkkan, Andrew Knight.
Actores: Andrew Garfield, Sam Worthington, Hugo Weaving, Vince Vaughn, Teresa Palmer.
Música: Rupert Gregson-Williams.

Valoración:
Lo mejor: La parte bélica es impresionante. Buenos actores secundarios.
Lo peor: Es un panfleto yanki descarado. Resulta simple, manipuladora y predecible.

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Soy de los que prefieren separar la obra de un artista de su vida privada. Más que nada, porque te puedes llevar muchas malas sorpresas al descubrir cómo piensan algunos a pesar de que sus trabajos te hayan gustado mucho. Si su labor tiene un sesgo muy marcado, pues paso de ella y ya está. No voy a irme al lado opuesto y montar campañas para prohibirlas como hacen algunos, porque es lo mismo, fanatismo. Pero a veces es difícil hacer la vista gorda, porque alguna de sus mamarrachadas puede ser tan grave que provoque gran rechazo, o peor, directamente afecte a la vida de mucha gente. Mel Gibson de hecho la lio tanto que prácticamente acabó vetado en Hollywood. Es un ultraconservador, homófobo y antisemita de cuidado, y tuvo algunas salidas de tono muy gordas paralelas a una recaída en su alcoholismo, más una condena por conducir borracho (sin cárcel pero con libertad condicional muy vigilada), con lo que su carrera, muy pública y dependiente del apoyo del gremio, quedó truncada.

Tras aparecer como actor en algunos títulos menores y olvidados parece que consiguió la confianza suficiente para tener financiación y distribución de su próxima cinta como director. Y en este retorno ha tenido claro su objetivo: un título de los que gustan en Hollywood, que dé premios (tres nominaciones gordas a los Globos de Oro por lo pronto), y de paso que ensalce también su ideología, pues a pesar del desprestigio que le dio el berrinche también sabe que mucho de lo que defiende está en la onda del pensamiento general de Estados Unidos.

Así, Hasta el último hombre es el clásico relato del hombre contra el sistema, la fe que todo lo puede, y la loa patriótica, donde se habla de lo dura que es la guerra… pero para ensalzar al país como salvador del mundo, el único que tiene entereza moral y héroes dispuestos a sacrificarlo todo por los demás. Y como tal, es un filme de mirada estrecha y tendencia manipuladora, y por extensión no hay ni un solo momento en que no sea harto predecible. Cada personaje cumple un rol: el protagonista capaz e inquebrantable pero que es tomado por tonto por todos por ser diferente, la chica dócil y guapísima que acepta a ese hazmerreír, el sargento malvado y el matón que luego verán el valor del héroe, la pandilla definida con cuatro estereotipos… Tenemos la familia difícil, el romance fácil (en dos frases la conquista) tan pasteloso y forzado como el de Pearl Harbour, las escenas de rigor de rechazo en el ejército, la obvia lucha incansable que pone a prueba el sistema, el momento decisivo, y los perdones y adulaciones esperables.

Lo triste es que está basada en hechos reales, pero no hacen ni un amago de ofrecer un relato menos idealizado y maniqueo, un ensayo que abordara de forma más realista la situación de la época, la formación de personalidades según los entornos, el nacimiento de sentimientos religiosos y el fanatismo, las distintas posturas sobre la guerra, etc. Para la película las cosas son como son y punto, no hay un trasfondo complejo, y obviamente no hay análisis ni crítica.

Se hace una mitificación del héroe demasiado idílica. Incluso a pesar del tiempo que ocupa, el personaje carece de aristas, de evolución, de escenas que describan cómo llegó a ser quién es. La única visión a su pasado es para ensalzar sus virtudes: el padre era malo malísimo pero él supo sobreponerse. La chica y la boda no pintan nada en el relato, bastaba cumplir con algún flashback a modo de resumen si querían mencionar que estaba casado, porque al personaje y su historia no le aportan nada. Los incluye porque hay que cumplir con el estereotipo: el héroe patriota ha de ser completo, o sea, también padre de familia; por lo menos no cuelan niñitos monos. Es demasiado obvio el contraste entre la vida en el pueblo y la guerra: el ambiente en casa es agradable, luminoso, sacado directamente de un cuento (salvo por el padre borracho), la guerra es oscura, caótica, terrorífica, y con la muerte acechando en todo momento. Por supuesto, los japoneses son un ente indefinido, un mal a extirpar, mientras que el ejército yanqui está lleno de grandes líderes que ponen en forma a los jóvenes inmaduros pero prometedores, y una vez en guerra estos mueren como héroes o salen airosos por su superioridad ética y religiosa, en esa combinación ultraconservadora que casi parece decir “ganamos porque nuestro dios es el real”.

Y vamos a decirlo claramente: si hacemos caso a lo que nos han mostrado aquí, el protagonista era un fanático con un trastorno de la adolescencia (odia las armas por una pelea con su padre), y si acabó siendo un héroe fue por una conjunción de acontecimientos muy improbables. No quiero matar, pero me apunto a una guerra donde mis compañeros matan a decenas de personas y me voy a la batalla sin armas, poniendo en peligro a todo el pelotón al ser un lastre inútil. Si quería contribuir al país, pero no en el lado bélico, podía haber trabajado en fábricas que ayudaran en la crisis que dejó la guerra en casa: industria textil, alimenticia, automovilística… o, por hilar con la enfermería, el cuidado de los soldados que vuelven heridos. Ciertamente acaba metido a enfermero, pero ni siquiera nos muestran que estudie algo de enfermería en el entrenamiento. Es decir, con lo visto aquí me resulta un personaje tan irreal (sin profundidad ni motivaciones, casi una máquina) que no me lo creo. Hacía falta un relato más inteligente, profundo y sobre todo objetivo, es decir, con los pies en la tierra, para dar forma a una historia tan atípica e inesperada. Pero está claro que han cogido “el milagro” para vender ciertos ideales, y lo demás no importa.

La cinta se salva porque los autores ponen mucha pasión en lo que están contando y además Mel Gibson es un narrador de primer nivel y parece que su exilio no le ha afectado. El esfuerzo se agradece mucho en el mimo al detalle. Los diálogos son sorprendentemente ingeniosos para un guion tan superficial y previsible, y se nota mucho la mano de Gibson en la dirección de actores y el manejo de emociones a transmitir al público, con lo que logran dotar de algo de entidad a unos personajes en el fondo sin historia ni rumbo, o sea, puestos al servicio de la narración, y sacan algo de partido, aunque sea poco, hasta de las escenas más ñoñas. Así, la vida en el pueblo es demasiado de color de rosa, pero el protagonista cae bien sin muchos problemas y se sobrelleva mejor. El sargento está sacado con todo descaro de La chaqueta metálica, pero tiene pegada, y el pelotón está definido a base de clichés y anécdotas irrelevantes y superficiales, pero pasa el corte. En los actores destacan los excelentes papeles de Hugo Weaving (en un rol demasiado limitado consigue resultar verosímil) y Vince Vaughn (fantástico como el sargento cabrón), más el entusiasmo de Andrew Garfield, aunque anda todavía falto de experiencia y carisma.

Pero más que nada destaca la pericia del director con la acción, que se explaya a gusto cuando la guerra hace acto de presencia. Apoyado en unos efectos de sonido y un montaje extraordinarios Gibson hace gala de un dominio narrativo de quitarse el sombrero. La batalla es una auténtica pesadilla, te ves envuelto una carnicería que resulta un espectáculo muy gratificante para los amantes del género, pero también un drama capaz de ponerte los pelos de punta. Lo único malo del acabado es la banda sonora de Rupert Gregson-Williams, pues básicamente coge composiciones previas y las pega aquí y allá una y otra vez sin mucho tacto, con lo que no hay una buena simbiosis entre música e imágenes y termina siendo molesta.

En resumen, tengo sensaciones encontradas. Por un lado, es un entretenimiento simpático en su tramo inicial, y se torna impresionante y acongojante cuando se pone serio. Por el otro, le pesa demasiado la sensación de que están metiéndote a la fuerza un mensaje y unos sentimientos concretos. Esto último no parece pesar en las críticas y el público, todo sea dicho; no hay más que ver cómo muchos se han creído que es una obra sobre el pacifismo, cuando es precisamente lo contrario: qué grande es nuestro país que hasta un pacifista puede ser un héroe militar que ayuda a la cruzada para salvar el mundo e imponer nuestro fantástico modelo de vida. Mel Gibson la ha colado pero bien.

Sully


Sully, 2016, EE.UU.
Género: Drama.
Duración: 96 min.
Dirección: Clint Eastwood.
Guion: Todd Komarnicki basado en el libro de Chesley Sullenberger.
Actores: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Anna Gunn.

Valoración:
Lo mejor: Actores. La intriga por cómo se resolverá tanto el accidente como la vista consigue enganchar a pesar de que…
Lo peor: …todas las temáticas subyacentes se pasan por alto en un relato superficial y sesgado.

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Un avión sufre un colapso de sus motores por una bandada de pájaros, y en unos pocos minutos el piloto no ve otra salida y acaba aterrizando en el río Hudson para evitar estrellarse contra zonas habitadas (esto ocurrió de verdad, por si alguien anda despistado). No parece haber mucho material ahí para una película, pero cuando empieza parece que van a abordar temas paralelos más jugosos. Lo que implica convertirse en un héroe, cómo los medios de comunicación te endiosan o entierran con gran facilidad, cómo las grandes corporaciones dejan de lado la ética para ganar dinero o salvar su trasero… Pero resulta que el tratamiento final del guionista Todd Komarnicki (basándose en el libro del propio piloto) y el director Clint Eastwood ofrece una perspectiva tan superficial y maniquea que queda un panfleto ideológico más que la obra reflexiva y crítica que se dejaba entrever. Por ello también falla el lado emocional: todo está demasiado mascado, demasiado teatralizado, con lo que resulta un relato muy frío y un tanto manipulador. Es evidente que Eastwood está en crisis emocional por la deriva política y las crisis (como el 11S), y se ha montado una oda descarada a los currantes que levantan el país ante la ineficacia del gobierno y los entes poderosos, pero su homenaje hace aguas por partir de sesgos muy claros.

La odisea de Sully es muy sencilla, lineal (a pesar de desgranarse en una estructura fragmentada), monótona en ocasiones, y sobre todo predecible. El agobio por los periodistas, la presión por cómo saldrá el lío laboral y el drama personal se tratan con mucha ligereza, como si fueran simples anécdotas y no eventos complicados que afectan mucho a su existencia. El impacto del evento en su vida es despachado en un par de llamadas telefónicas a la esposa, el acoso mediático con un par de conversaciones con el copiloto y una entrevista insípida, y el conflicto laboral ocupa más tiempo pero peca de sensacionalista. Al final es Tom Hanks quien da forma al personaje, mostrando con sutileza las emociones contenidas, la tensión, los miedos y esperanzas. Y aun así no me parece suficiente para conseguir un protagonista con la pegada y la entidad exigibles. Además es sorprendente que pasen de tal manera del copiloto para ensalzar al héroe elegido, cayendo así en precisamente lo que critican: el medio amarillista elige a quién deificar y no le importa nada más. Como si Jeff Skiles no hubiera estado en el avión, o fuera un don nadie que sólo sirve para vigilar mientras el piloto se echa una siesta. La presencia de otro buen intérprete como es Aaron Eckhart es lo único que nos recuerda su existencia en gran parte del metraje; sólo en el final se dignan a darle un par de buenos momentos, pero están muy lejos de ser suficientes.

Pero la obsesión con centrarse en Sully (sacando además tan poco de él) no eclipsa únicamente al copiloto, sino a todo lo demás, alzándose como un error muy grave. La temática que estaban abordando exige más personajes, personajes verosímiles que sirvan de base para un retrato de la sociedad más realista y complejo. Los empresarios que tratan de aprovechar cualquier resquicio legal para mantener la imagen de su compañía y evitar pagos de seguros deberían tener un dibujo más elaborado y sobre todo más auténtico: si estás hablando de cómo una persona normal puede convertirse en un héroe, también tienes que hablar de cómo otros se pueden corromper, y de cómo el sistema y la sociedad llevan a distintos escenarios, algunos donde la ética se diluye. Pero no, resulta que esto es cine de Hollywood hecho para ganar Óscares, y sigue los patrones de siempre: el tipo hecho a sí mismo que lucha contra las injusticias superiores al ciudadano corriente. Y esto demanda otro tipo de narración, una simplista, encorsetada, manipuladora. Qué malos son los “empresaurios”, en plan villanos de película infantil, y qué bueno el hombre de a pie que puede con ellos con su astucia y la verdad de su lado. La exposición de una persona normal, anónima, ante los medios tampoco funciona, no ofrece nada genuino o impactante. Los periodistas son pesados y ya está, no hay ninguna salida inteligente o que haga reflexionar en algo más que en lo obvio.

En el tramo final toma más presencia la figura del ciudadano heroico, incluyendo esta vez a otros individuos que, aunque en menor medida que Sully, fueron también cruciales para salvar las vidas de los pasajeros: el piloto de un ferry, los equipos de rescate, y también los controladores aéreos que trabajan día a día para minimizar riesgos. Pero llega tarde y mal: salvo el controlador aéreo, todos estos personajes han salido de la nada y carecen de un dibujo claro, no digamos ya un recorrido emocional. Y bueno, los pasajeros directamente no existen. Sully siempre por delante de todo.

¿Qué queda entonces en la película? Pues curiosamente nada de lo que presentaba inicialmente, sino otro aspecto distinto: la intriga. En lo único que acierta el guionista y donde Eastwood logra imprimir más garra es en el juego de qué ocurrió en la cabina y si realmente había otras posibilidades menos arriesgadas. Para ello optan por flashbacks y recuerdos que van exponiendo poco a poco las piezas del puzle. Más o menos eligen bien los momentos, apoyándose en la situación presente del protagonista, con lo que no sabe a truco barato en una cinta donde estos abundan mucho. El factor humano es inexistente por culpa de esos empresarios inanes (si es que el operador de radio es más interesante, a pesar de estar metido con calzador), pero el desarrollo del caso resulta lo más atractivo de la proyección. La narración no deslumbra con un ritmo trepidante, Eastwood va con el piloto automático puesto y evidentemente podía haber sacado mucho más de los momentos clave (hasta los efectos especiales son de telefilme), pero tampoco tiene bajones notables y poco a poco te va enganchando con una intensidad creciente. El desenlace, tanto del accidente como de la vista, no sorprenden en su resultado pero sí está bien ejecutado y da un buen subidón.

Así pues, Sully cumple lo justo como entretenimiento pasajero. Pero no da nada más. El vuelo era ficticia, y tenía también dosis de sensacionalismo, pero al final ha resultado más intensa y recordable que esta. Es un título que el año que viene estará tan olvidado como todo lo que ha hecho Clint Eastwood desde Mystic River, con la excepción de la correcta Gran Torino. Y aun así muchos se empeñan en endiosarlo, y no me sorprendería que tuviera buena presencia en las nominaciones a los Óscar.

Passengers


Passengers, 2016, EE.UU.
Género: Acción, romance, ciencia-ficción.
Duración: 116 min.
Dirección: Morten Tyldum.
Guion: Jon Spaihts.
Actores: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen.
Música: Thomas Newman.

Valoración:
Lo mejor: En lo visual y lo interpretativo cumple de sobras.
Lo peor: Todos los estilos y argumentos que trata se quedan a medias, el potencial de la temática y su alcance (reflexiones morales y humanistas) no se exploran. Recuerda demasiado a filmes recientes. Los tráileres, otra vez jodiéndote la película entera.
El título: Otro título fácil que llega sin traducir por razones que se me escapan.

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Alerta de spoilers: Si quieres verla en blanco, quizá revelo demasiado del argumento.–

En los primeros avances presentaban lo justo de la historia (en el tráiler final la revientan entera sin miramientos, así que evítalos) y ya se intuía que lo de ciencia-ficción iba a ser más trasfondo que argumento principal y que la cosa apuntaba a cinta romántica. Quedaba por ver el tono: comedia, aventuras, drama… Por las flojas críticas me esperaba una comedia romántica más tontorrona, pero ese estilo no es excesivo y funciona aceptablemente bien, y, sobre todo, también tiene un poco de otros géneros: la aventura de supervivencia ocupa bastante tiempo, la ciencia-ficción tiene más presencia de la que preveía, e incluso se plantea algún dilema ético muy interesante. El problema es que la mezcla no tiene el equilibrio necesario: ni se termina de abordar todo el potencial de cada sección ni la combinación funciona con el ritmo y coherencia necesarios. El resultado, un entretenimiento pasajero digno pero que deja con la sensación de que han pasado otro guion prometedor por la batidora intelectual.

El tramo inicial es El último hombre en la Tierra, pero en una nave espacial. El protagonista hace lo que haría cualquiera en esa situación: tratar de divertirse para sobrellevar las miserias de la supervivencia en solitario. Pero no hay ni una escena que sorprenda, desaprovechan demasiado un entorno que permitía imaginar casi cualquier cosa, y por ello la proyección no termina de coger fuerza. Hasta que llega la toma de una decisión importante no hay mucho que rascar, el personaje es simple, la historia también. Cuando nos embarcamos en el romance se levanta un poco el interés. En realidad también cumple con lo básico sin mojarse, pero aunque sea previsible tiene la emoción y simpatía justa y lleva buen ritmo. Pero sobre todo se salva por la fuerza visual (el realizador exprime bien el generoso presupuesto) y el buen hacer de los tres únicos intérpretes. Porque estamos en uno de esos casos en que personajes con un dibujo superficial son levantados por los actores. Chris Pratt como el técnico pardillo enamorado y Jennifer Lawrence como la joven decidida y enérgica son capaces de mantener en pie esta odisea sin esforzarse mucho; incluso Michael Sheen como el camarero robot cumple muy bien.

En todo este trayecto se ven latentes una serie de pensamientos sobre la moral y el ser humano muy prometedores, pero no los exploran como se podría. La soledad y la supervivencia como catalizadores de decisiones éticas cuestionables, el amor capaz de hacerte sobrellevar cualquier tragedia, el dominio de la tecnología sobre el trabajo manual y las relaciones, la persecución de sueños y las migraciones forzadas… Había tanto donde sumergirse, y pasan de puntilla sobre todo, mojándose apenas un poco con un solo aspecto, la decisión del personaje que sostiene sobre una mentira monumental el romance. Y a esto le dan el cierre más predecible posible, una redención que se ve venir muy de lejos y aun así resulta un tanto forzada. Al menos ha servido para dar algo de enjundia al tramo central, eso sí.

Para el tercer acto llega la acción con una trama de supervivencia también muy ramplona, de hecho es incluso más pobre que el resto: en vez del esperable subidón me pareció que estiraban demasiado la cosa. Las escenas que no se intuyen de antemano parecen improvisadas (ahora un nuevo problema técnico seguido de una solución de ciencimagia sacada de la manga), con lo que falla un poco la conexión emocional: no siento el peligro, no me llega el esfuerzo de los personajes. Entretiene, pero no impacta. Además no ayuda que aquí se vean más todavía las semejanzas o inspiraciones en películas recientes. Escenas sacadas de Gravity hay unas cuantas, pero también otras que recuerdan a Guardianes de la galaxia. Aunque la primera cinta que viene a la mente en una comparación general es Pandorum: el argumento inicial e incluso parecido exterior de la nave es enorme. Aquella en cambio, en un registro muy distinto, eso sí (misterio y terror), tiene bastante más personalidad y pegada y un cierre con giros más trabajados.

Passengers se queda en un quiero y no puedo. Sus achaques no son graves, pero tampoco ofrece nada digno de recordar. Para ciencia-ficción imaginativa, reflexiva y hermosa tenemos aún reciente La llegada.