El Criticón

Opinión de cine y música

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Shakespeare enamorado


Shakespeare in Love, 1998, EE.UU., Reino Unido.
Género: Romance, comedia.
Duración: 123 min.
Dirección: John Madden.
Guion: Marc Norman, Tom Stoppard.
Actores: Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Tom Wilkinson, Colin Firth, Imelda Staunton, Judi Dench, Simon Callow, Jim Carter, Martin Culnes, Ben Affleck.
Música: Stephen Warbeck.

Valoración:
Lo mejor: Deslumbrante combinación de talento e inspiración en guion, dirección, interpretaciones, diseño artístico y música.
Lo peor: Excepto Joseph Fiennes, quien va algo justo. El final, tras un clímax glorioso, no funciona del todo. La incomprensible campaña de odio que todavía arrastra.
La frase: Yo he de tener poesía en mi vida… y aventura… y amor. Amor por sobre todo. (…) No las artificiosas posturas del amor, sino el amor que avasalla la vida. Indisciplinado, ingobernable, como un motín en el corazón, que nada puede detener, ni la ruina ni el éxtasis. Amor como el que nunca ha existido en una obra.

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EL PROYECTO Y LA POLÉMICA

El primer guion fue desarrollado por un autor poco conocido, Marc Norman, a finales de los ochenta, y estuvo a punto de ver la luz en 1991 de la mano de Edward Zwick, quien había adquirido bastante fama con Tiempos de gloria (1989). Este pidió una reescritura al prestigioso Tom Stoppard (Brazil -1985-, El imperio del Sol -1987-, La casa Rusia -1990-…) mientras se empezaban a construir los decorados y a preparar el vestuario. Pero la actriz protagonista elegida, Julia Roberts, se empeñó en compartir cartel con Daniel Day Lewis, y cuando este pasó del tema ella no quiso seguir, y la producción quedó en suspenso porque los estudios también se desinteresaron.

En el 98 entraron el todopoderoso estudio Miramax de Harvey Weinstein y el proyecto se movió con gran rapidez, encontrando pocos baches en el camino (sólo la dificultad de hallar un final llamativo). El realizador elegido, John Madden, venía de unas pocas series de televisión en Reino Unido y apenas se acababa de dar a conocer en Hollywood con un drama histórico sencillo, Su majestad Mrs. Brown (1997).

El estreno fue un gran éxito de taquilla, entusiasmó a la crítica, obtuvo premios por doquier y el reconocimiento de la industria, manteniéndose desde entonces presente en cada actualización que hace la WGA, el gremio de guionistas, de su lista de los 101 mejores guiones de la historia.

Pero a pesar del entusiasmo inicial con que el público recibió otra cinta romántica conmovedora tras las cercanas El paciente inglés (Anthony Minghella, 1996) y Titanic (James Cameron, 1997), un ruidoso sector, fanático de Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg, fue haciéndose notar más de la cuenta hasta que la burbuja explotó con los Óscar y los Globos de Oro y lograron tomar el control del relato. No importa que Shakespeare enamorado destile ingenio y elegancia en un guion brillante y un acabado sublime, que Salvar al soldado Ryan sea una historia llena de estereotipos y sensacionalismo que sólo destaque por su efectivo pero hipertrofiado acabado visual, estos iluminados consideran que la primera es una obra cursi que no merece tanto halago y la segunda no sólo un buen drama, sino una de las mejores películas de la historia…

Lo cierto es que ese año hubo una competencia espectacular donde es bastante difícil elegir, quedando claro únicamente que todas ellas son superiores a la cinta de Spielberg: La delgada línea roja (Terrence Malick), El show de Truman (Peter Weir), Lock & Stock (Guy Ritchie), American History X (Tony Kaye), Bichos (John Lasseter, Andrew Stanton)… Pero esa oleada consiguió tanta influencia que todavía hay gente (internet mantiene vivos estos movimientos absurdos) diciendo que no fueron justos y denostando Shakespeare enamorado probablemente sin haberla visto siquiera. De hecho, el tumulto que armaron fue tal que también da la impresión de que, si a lo largo de su historia estos premios no tenían mucho criterio y acertaban poco, desde entonces empezaron a mirar más las tendencias sociales y mediáticas, como intentando complacer y huir de polémicas, perdiendo así más credibilidad todavía.

TALENTO E INSPIRACIÓN SIN IGUAL

Shakespeare enamorado es una conjunción de astros, suerte, destino o como queráis llamarlo. La combinación de inspiración y talento dio una obra singular, hermosa e inolvidable. El brillante guion ofrece capas y más capas de ideas, géneros, estilos, personajes y tramas hasta formar un todo superior sin resquicio alguno, tan perfecto y asombroso que sin duda hay que considerarlo como uno de los mejores de la historia. Los deslumbrantes apartados técnicos garantizan un deleite audiovisual sin igual, y la dirección es muy compleja y virtuosa, pero el conjunto resulta tan equilibrado que se siente como una obra ligera y cercana. Te lleva por una montaña rusa de emociones: es divertida, entrañable, bellísima. Se puede disfrutar desde muchas perspectivas: como retrato histórico del mundo del teatro en una época apasionante, como comedia inteligente como no se veía desde hacía décadas, como un romance de cuento de los que tocan la fibra sensible, como una de aventuras, con personajes sobreviviendo el día a día en las calles del Londres del siglo XVI…

La ambientación en la época está muy cuidada en todos los niveles. Que sea una recreación ficticia de la vida de William Shakespeare no llega a molestar, o al menos yo no creo que incomode ni siquiera a eruditos del autor y la época, en parte por lo poco que se sabe su vida, pero sobre todo por el fantástico retrato que hace del gremio, de la figura y su entorno. Se muestran las rivalidades entre artistas, los problemas sociales, políticos y económicos, y los temas habituales de las obras de teatro se incorporan a la propia trama con gran naturalidad (la reaparición de personajes muertos, los disfraces, las peleas a espada…). En el detalle está llena de guiños y referencias, donde no importa si algunas sólo pueden pillarlas los más puestos en historia y literatura, porque se hilan muy bien con el desarrollo de personajes, destacando que se juega con la teoría de Christopher Marlowe como autor de las obras de Shakespeare y se bromea con otros artistas (alucinante el chiste recurrente con el niño de la rata, John Webster). En la historia principal se maneja de maravilla la premisa de explorar la posible creación de Romeo y Julieta con experiencias propias del escritor. El amor imposible, la diferencia de clases, momentos clave como la escena del balcón… y en general los citados giros clásicos del género se funden con la aventura romántica, con la nueva obra que escribe ahora que vuelve a estar inspirado, con los líos en el teatro para intentar sacar adelante el proyecto y con los conflictos con otros personajes.

La odisea romántica es cautivadora, desbordante de personajes entrañables y aventuras embelesadoras. Todos los implicados saben que están ante una fábula, una historia idealizada y arquetípica, empezando por los guionistas, y se esfuerzan por dotarla de vida, de energía y encanto. De esta forma, aunque pase por muchos lugares comunes de este ámbito fluye con naturalidad, transmitiendo con intensidad un gran repertorio de sentimientos. Tenemos infinidad de situaciones ingeniosas, hermosas, dramáticas… y muchas que lo combinan todo: la conversación en la barca cuando se descubre que Thomas es Viola, el lío del balcón, la escena en que se desnudan quitándole a ella el disfraz, los besos entre bambalinas, la huida de la carreta dejando plantado al esposo forzado para ir al teatro…

El único punto débil es Joseph Fiennes. Su cara de panoli superado por las circunstancias ayuda a disimular un tanto las carencias dramáticas del intérprete, pero da la sensación de que con un actor más resuelto hubiera sido una cinta aún más extraordinaria, algo que se nota más al lado del colosal torrente de emociones que ofrece su compañera Gwyneth Paltrow, donde aunque la química entre ambos no falla, podría haber tenido mucha más chispa. Además de su belleza y simpatía, Paltrow pone gran pasión en la tormentosa vida de Viola: de afligida por la apatía de una vida que no controla y asustada cuando le imponen el matrimonio, a risueña y resuelta cuando el amor le infiere coraje.

El noble del enlace obligado, Lord Wessex, tiene la difícil tarea de ser el típico villano de cuento y no parecer demasiado encorsetado o una mala parodia, pero los escritores y el certero papel de Colin Firth logran hallar el equilibrio perfecto. Es desagradable sin resultar grotesco, se pueden entender sus motivaciones y frustración, de forma que resulta verosímil, y tiene momentos geniales, como la memorable escena en que cree estar ante el fantasma de Shakespeare.

El repertorio de tramas y personajes secundarios es modélico, hasta el rol en apariencia más irrelevante consigue dejar huella, como el bruto disfrazado de mujer, el presentador tartamudo… Tenemos empresarios, escritores, actores, nobles… todos roles muy bien definidos que hacen desbordar cada escena con su carisma y chistes recurrentes tan rápidos e ingeniosos que si parpadeas te los puedes perder. Destacan con luz propia Geoffrey Rush y su talante esperanzador tronchante: (“Todo saldrá bien.” “¿Cómo?”, “No sé, es un misterio.”) y Tom Wilkinson como el usurero distante que acaba implicado (“¡Un perro!”). La veterana Imelda Staunton está estupenda como la criada personal de Viola; mítica es la escena en que hace ruido con la butaca para disimular los sonidos de la alcoba. Judi Dench está inmensa como reina, imponente y temible en sus pocas apariciones, callando así a los bocazas que decían que con tan pocos minutos no merecía nominaciones a premios. Demonios, hasta Ben Affleck deja buenas impresiones.

El guion desde luego allanó el camino, y los recursos técnicos deslumbraron a pesar de no ser una gran superproducción, pero la dirección de John Madden unió todo dando forma a un portento narrativo asombroso. La cámara vuela con trávelings enérgicos o se apoya en un montaje impecable para transmitir la sensación de estar en las calles y escenarios de la época y lograr un ritmo enérgico que te mantiene pegado a la butaca. Decorados, vestuario y maquillaje, aparte de espectaculares, mantienen una fidelidad enorme, logrando una inmersión plena en aquellos tiempos. Destaca para bien un aspecto que se suele descuidar, la mala higiene de las gentes y de las ciudades y calles de aquellos tiempos. Aunque también hay un aspecto negativo, y es que mantiene el miedo atroz generalizado en Hollywood a mostrar el calzado medieval real, zapatos bajos de cuero basto y burdamente cosido en el pueblo llano y mallas de diversas lanas con sencillos zapatos de puntas alargadas en los nobles, y se opta casi siempre por usar grandes y vistosas botas de cuero bien tratado; el calzado realista sólo se ve en algunos extras de fondo, en los protagonistas, hasta el casi indigente Shakespeare calza como un motero moderno.

Y para rematarlo todo, llegó el desconocido músico Stephen Warbeck y nos regaló una banda sonora de las que hacen época, versátil y exquisita, capaz de realzar la sensibilidad de las imágenes hasta límites indescriptibles.

Aparte de la falta de empaque de Joseph Fiennes, sólo se le puede poner la pega de que no encontraron un buen final a pesar de que probaron varios en pases de prueba con público. Tras el magnífico colofón en el teatro había que abrir más que cerrar historias, porque no cabe un final feliz que ate todos los cabos sin faltar a la Historia. Hicieron lo más lógico, despedidas varias y que Shakespeare siguiera escribiendo, pero la ruptura de la pareja no llega con tanta intensidad como el resto de la relación, el varapalo a Lord Wessex es un tanto predecible y simplón, las escenas con la reina serán necesarias, pero resultan anticlimáticas, y la narración tan larga sobre la nueva obra y las imágenes mostrándola sin venir a cuento despistan un poco, es como desviar el tema.

Con un final redondo que te dejara conmocionado, flotando entre las nubes durante un buen rato, probablemente hablaríamos de una obra maestra, pero tal y como está, Shakespeare enamorado es una maravilla digna de estudiarse en escuelas de cine.

Skyfall


Skyfall, 2012, EE.UU.
Género: Suspense, acción.
Duración: 143 min.
Dirección: Sam Mendes.
Guion: John Logan, Neal Purvis, Robert Wise.
Actores: Daniel Craig, Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Bérénice Marhole, Albert Finney, Ben Whishaw, Rory Kinnear.
Música: Thomas Newman.

Valoración:
Lo mejor: La sublime puesta en escena: dirección, fotografía, música, montaje, sonido… La calidad que el guion otorga a los personajes así como el protagonismo que les da por encima de cualquier escena de acción (alejándose de la acción sin sentido de la era de Pierce Brosnan).
Lo peor: Por decir algo, la trama podría haber sido más compleja.
Mejores momentos: La escena de la grúa. La pelea con el francotirador a contraluz. La casa ardiendo, iluminando la noche.
El gazapo: En la pelea contra el francotirador Bond iba sin guantes para poder usar la pistola dactilar, pero luego aparece con ellos para que el malo pueda resbalarse…

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Lo cierto es que no esperaba nada de James Bond a estas alturas. No soy lo que se dice fan de la saga, sino del género de acción en general, y de hecho siempre le he criticado muchos aspectos: la repetición de un esquema muy manido, lo irreal de muchos capítulos, que se inclinaban demasiado hacia la acción aparatosa (casi de ciencia-ficción) olvidando elementos clásicos de la serie (espionaje, glamour), y la falta de continuidad entre entregas, principalmente. Con Casino Royale hicieron un esfuerzo por encarrilar la saga, y el resultado fue prometedor, aunque a mí no me pareció tan redonda como a casi todo el mundo. Pero desgraciadamente la insustancial Quantum of Solace volvió de nuevo al mal camino, decepcionando a todo el que se había hecho ilusiones.

Por suerte, parece que viendo que la cosa descarrilaba, los productores y guionistas de la serie se han puesto las pilas de nuevo, haciendo que Skyfall sea prácticamente otro reinicio que pone empeño en realzar el personaje de Bond, en rehuir de los tópicos y en mejorar la trama y el villano. Además el director Sam Mendes se tomó en serio la cosa, y con una puesta en escena muy elaborada ha contribuido a la hora de lograr una película que aun siendo Bond no parezca Bond, sino un thriller con una personalidad propia. Eso implica que la crítica se poraliza, al contrario que pasó con Casino Royale, donde el intento de reinicio de calidad no tenía un estilo tan marcado y tuvo mejor recepción. Eso sí, en cuanto a taquilla ha tenido los mejores resultados de la saga, superando los mil millones de dólares.

La historia sigue el esquema clásico de prólogo intenso, receso para ligoteos y presentar al villano, investigación, exposición del plan del villano y confrontación final. Pero se ha escrito trabajando más en profundidad cada elemento, y sobre todo los personajes se han tratado con mucho mimo, más incluso del que se veía en Casino Royale. La humanización de Bond alcanza su cima: nos acercamos más que nunca a su psique, tanto porque viajamos a su pasado como porque la relación con M, casi su madre adoptiva, forma parte de la trama, de manera que sus motivaciones quedan más claras, resultando un personaje más verosímil y permitiendo mayor conexión emocional con él. El villano, Silva, también está más humanizado y mejor justificado de lo habitual: este agente usado y descartado por quienes considerada su familia y que decide tomar venganza, resulta uno de los enemigos más inquietantes, temibles y cercanos a los protagonistas que ha tenido toda la serie, por lo que también resulta más tangible y creíble. Además el inquietante papel de Javier Bardem ofrece una llamativa ambigüedad en varios campos (sexual, de intenciones o planes, de estabilidad psicológica) que refuerza su aura perturbadora. Aquí es inevitable la comparación: en esta línea pero más temible tenía que haber sido el malo de Spectre, pero ni se acerca.

También se potencian los secundarios: reaparecen Q (Ben Whishaw) y Moneypenny (Naomie Harris), M pasa casi a primer plano (Judi Dench) y el ayudante de esta, Tanner (Rory Kinnear) la acompaña bien, y se presenta el nuevo superior, Mallory (Ralph Fiennes). Todos aportan consistencia y dinamismo a la trama, no dejando que Bond sea el superhéroe que hace todo y refozando ese lado humano al tratar con otras personas. Y también prometen continuidad de cara a próximos capítulos. Cabe destacar que, inesperadamente y para bien, no han forzado la vena cómica tontorrona de Q, sino que buscan un personaje más contenido.

Me pregunto cómo terminó Sam Mendes en este proyecto, y cómo pudo imprimir un acabado tan personal a una cinta tan comercial: ¿lo buscaba la productora o tuvo carta blanca y lanzó un órdago? Sea como sea resultó un gran atrevimiento que ha dado sus frutos de forma notable. Jamás se me habría ocurrido pensar que James Bond podría ofrecer una película tan hermosa y cautivadora, capaz de mantener al espectador hipnotizado durante su largo pero bien empleado metraje. Mendes logra convertir una simple pelea a puñetazos en una secuencia memorable (la escena del francotirador, a contraluz, es fascinante) y ofrece tramos donde la impronta visual te deja sin aliento, como por ejemplo el desenlace, donde la iluminación del fuego muestra un paisaje tan bello como sobrecogedor. Y no por ello descuida la esencia Bond: la estancia en el casino y la guarida del villano muestran muy bien el glamour y el exotismo habituales, y la acción intensa la resuelve con el nivel esperable (atención a la espectacular pelea encima del tren).

No cabe duda de que el realizador no podría haber logrado tanto sin esa arrebatadora fotografía de Roger Deakins, cuya labor es una proeza digna de citar entre las mejores fotografías de cine de los últimos años, y sin la brillante banda sonora de Thomas Newman. Este compositor habitualmente asociado a Mendes parecía una elección poco apropiada, más cuando David Arnold había tomado la saga para sí mismo con méritos de sobra, pero lo cierto es que su partitura es sorprendentemente dinámica y rica en sonoridades (los que le conozcan a fondo sabrán de qué hablo: es bastante repetitivo dentro de un estilo propio muy definido) y sobre todo tiene una fuerza y una expresividad que se adapta como anillo al dedo a cada escena. Hay instantes donde la música brilla con luz propia, como la llegada al casino, o la intriga que consigue generar antes del ataque principal de Silva (en la vista de M). Y debo decir que la canción de Adelle está muy bien, cuando este elemento siempre me ha parecido fallido, por innecesario (es mera treta comercial) y por mala calidad (no daba ni una canción buena).

Sólo unas pocas pegas menores se pueden señalar. El previo al lanzamiento del desenlace se ralentiza quizá demasiado: el viaje hacia la casa y los preparativos deberían haberse agilizado un poco. Y no sé si es un agujero de guion o que se me escapa algo que no he podido deducir en las varias veces que he visto la película, pero me pregunto para qué tanto lío con el francotirador si es evidente que los que rodean a la víctima saben lo que va a pasar, es decir, ¿por qué no la ejecutan ellos? También hay otro momento un tanto confuso: Bond tiene una cicatriz del tiro que le pega el malo en el prólogo, de la cual saca trozos de bala para investigar… pero yo en un primer momento pensé que estaba hurgando en el tiro que le pegó su compañera, que por lo visto no dejó cicatriz, con lo que pienso que se podría haber matizado mejor el asunto. Y finalmente tenemos las cansinas gilipolleces sobre informática que se empeñan en poner en el cine: todo resuelve tecleando a toda velocidad y viendo en la pantalla un montón de letras y gráficas sin sentido en movimiento.

Entrada actualizada de la original publicada el 06/03/2013.

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Serie James Bond:
Casino Royale (2006)
Quantum of Solace (2008)
-> Skyfall (20012)
Spectre (2015)

Quantum of Solace

 


Quantum of Solace, 2008, EE.UU.
Género: Acción.
Duración: 106 min.
Director: Marc Forster.
Escritores: Paul Haggis, Neal Purvis, Robert Wade.
Actores: Daniel Craig, Judi Dench, Olga Kurylenko, Giancarlo Giannini, Jeffrey Wright, Mathieu Amalric.
Música: David Arnold.

Valoración:
Lo mejor: Entretiene. Daniel Craig ofrece una interpretación con gran carisma.
Lo peor: Dirección muy mejorable, montaje horrendo, guion poco sustancioso. Y sobre todo que supone una vuelta al Bond de más bajo nivel en vez de seguir por donde Casino Royale apuntaba. El doblaje de algunos secundarios (en especial el del villano) parece de broma.
El título: Todavía nadie sabe qué significa Quantum of Solace.

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Quien fuera al cine esperando que Quantum of Solace siguiera explotando y mejorando la línea ofrecida en Casino Royale se llevaría una gran decepción, pues esta cinta es un paso atrás, una vuelta a la manida y floja forma de hacer cine de acción que nos ofrecían en las últimas entregas protagonizadas por Pierce Brosnan. Y por si fuera poco es descarado que intentan imitar la fórmula de la saga de Jason Bourne, pero se quedan muy lejos de lograrlo por culpa de un guion mediocre y una puesta en escena torpe e ineficaz.

Empiezo por el guion. La trama es poco sustanciosa y nada original. Los clichés de la serie que parecían haberse desechado en Casino Royale están de vuelta. Los villanos (más insípidos que nunca) y su fantasiosa conspiración mundial, las chicas, las persecuciones, y cómo no el enfrentamiento final en la guarida del enemigo, que explota porque se supone que debe hacerlo, siguen un esquema muy básico y predecible. No existe la complejidad y ambición que tan buenos resultados dio en el capítulo inicial de esta etapa.

Lo único destacable es el atractivo de los personajes Bond y M, muy bien interpretados por Daniel Craig y Judi Dench respectivamente, y el buen aprovechamiento que se hace de los secundarios (Olga Kurylenko, Giancarlo Giannini, Jeffrey Wright). Los primeros tienen carisma de sobra, y los demás sirven muy bien de apoyo. Destacan unos diálogos bastante correctos (el humor seco del espía está presente), y la humanización del propio James Bond sigue aceptablemente bien. Estos interesantes protagonistas sustentan bastante bien la poco llamativa historia en que están inmersos, con lo que hace pensar que seguramente con un villano de buen nivel se hubiera limado un poco esa sensación de ser lo mismo de siempre y sin garra alguna. Pero el rol dibujado para Mathieu Amalric (que además empeora muchísimo con el infame doblaje) no es capaz de despertar la más mínima emoción en el espectador, y no tiene secuaces dignos de mención.

En cuanto a la puesta en escena, Marc Forster, quien deslumbró con la maravillosa Descubriendo Nuncajamás, no ha atinado en esta su primera obra de acción, ofreciendo una dirección nada lustrosa. El torpe manejo de cámara en mano acompañado por el mediocre montaje, ambos intentando de forma fallida imitar los buenos resultados que ofrece la saga de Jason Bourne, proporcionan un aspecto visual bastante flojo. Las escenas de acción son caóticas y mareantes, cuesta entender lo que ocurre, y además hay momentos en los que el realizador se va por las ramas con algunos apaños extraños y molestos, como la inexplicable decisión de compaginar las peleas con escenas paralelas (la ópera y la feria).

Ahora bien, la decepción puede ocultar las pocas virtudes que tiene. Porque una vez vista de nuevo me queda claro que como película de acción básica cumple: los personajes del bando de los buenos aguantan el tipo, y el relato nunca se atasca, va siempre hacia adelante con ritmo y sin patinar en ningún momento dentro de su limitado esquema. En resumen, es bastante entretenida. Pero claro, eso tampoco oculta que es un torpe paso atrás en un momento en que la saga parecía remontar el vuelo.

Entrada actualizada de la original publicada el 01/11/2008.

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Serie James Bond:
Casino Royale (2006)
-> Quantum of Solace (2008)
Skyfall (20012)
Spectre (2015)

Casino Royale


Casino Royale, 2006, EE.UU.
Género: Acción, suspense.
Duración: 144 min.
Dirección: Martin Campbell.
Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Paul Haggis.
Actores: Daniel Craig, Eva Green, Mad Mikkelsen, Judi Dench, Jeffrey Wright, Giancarlo Giannini, Jesper Christensen.
Música: David Arnold.

Valoración:
Lo mejor: Un guion alejado de los clichés de la saga en sus últimos capítulos: original, complejo, con el atrevimiento de tener segmentos muy diferenciados en estilo. Puesta en escena muy sólida.
Lo peor: Altibajos de ritmo, destacando su tramo final sin garra.
Mejores momentos: La larga partida de póquer, llena de momentos geniales: la bebida de Bond, la bebida envenenada.
La frase:
1) Tres partes de Gordon’s, una de vodka, media de Kina Lillet, lo agitas con hielo y luego le añades una fina rodaja de cáscara de limón.
2) Esa última mano casi me mata.
3) -Mezclado o agitado.
-¿Tengo cara de que me importe?

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Como es obvio casi ninguna reseña o artículo dedicado a Casino Royale evitó la comparación con las anteriores entregas de esta interminable saga. El aspecto rudo del rubio Daniel Craig fue duramente criticado por los fans, pero una vez vista la película prácticamente todo el mundo coincidió en que el actor cumple de largo con buen hacer y carisma y el tratamiento del personaje ha resultado innegablemente enriquecedor. La fórmula había sido llevada a extremos exagerados en las últimas producciones con Pierce Brosnan de protagonista, donde convertían a Bond casi en un superhéroe que rara vez sufría daños e incluso nunca se despeinaba. El construido para Craig es mucho más humano: tiene motivaciones más claras, sufre dolor y pena, se llena de sangre y suciedad, se enamora… y como es su primera aventura se ha optado también porque aún no tenga sus sellos clásicos de identidad, sino que los va adquiriendo poco a poco.

La historia también se ha distanciado del esquema tan repetitivo, huyendo del archienemigo único siempre empeñado en conquistar el mundo, mejorando la trama (nada de guarida final del malo y otros clichés) y sin abusar de otros detalles significativos, como los artefactos de tecnología tan avanzada que convertían a las últimas entregas en delirantes obras de ciencia-ficción (Q ni aparece). Supone todo un acierto, un soplo de aire fresco y humanizador en una saga que estaba estancada, y eso no quiere decir que no parezca una cinta Bond. Es una más original, compleja y seria. Mantiene el glamour (fiestas, coches, trajes), las mujeres bellas, las escenas de acción casi imposibles (¿por qué el el tipo perseguido huye hacia la obra y sube por ella, siendo un claro lugar sin salida?) resueltas con efectismo y una realización más que notable, el humor cínico y seco, y los villanos característicos y temibles. Pero todo es más y mejor.

La trama, como señalaba, huye del repetitivo esquema de Bond contra un loco megalómano que no tiene más motivación que ser malo porque sí. Lo enemigos son más ambiguos, una combinación de terroristas y organización secreta, y no se sabe por dónde pueden salir porque la historia no anda por los mismos caminos de siempre. Las indagaciones de Bond para ir descubriendo el plan enemigo siguen un patrón más de cine de espías serio y denso que de acción directa, siendo bastante enrevesadas, de hecho incluso demasiado, pues a veces cuesta quedarse con los detalles y pistas que dirigen sus acciones. Hay algunas que como no las pilles te quedas sin enteder parte de la trama (al final por ejemplo tienes que ver a la primera de quién es el teléfono que mira y de quién es el mensaje, para poder comprender el epílogo), y otras soluciones se quedan en el aire para otro momento de la película, dejándote pensando y con dudas, algo no muy apto para el espectador actual, pero también algo atractivo para el espectador exigente: se puede ver varias veces para sacarle todo el jugo. Los diálogos son más elaborados, inteligentes y sutiles (atención al análisis que se hacen mutuamente Bond y Vesper en el tren), y no faltan grandes dosis de humor marca de la casa.

Pero lo que más destaca es que los realizadores se atreven a fragmentar la trama en segmentos muy diferenciados de estilo y tono. Por ejemplo, el consabido prólogo de peleas se reserva para después de una pequeña y pausada introducción que presenta al nuevo Bond, pero sobre todo destaca que en mitad de la película la acción intensa se deja de lado por una larguísima partida de póquer que supone la confrontación principal con el villano, y que lejos de romper el ritmo resulta un tramo fantástico por su intriga y buen manejo de los personajes.

Sin embargo, este intento de dotar de mayores ramificaciones a la función sí termina jugando en contra del ritmo,. Al principio hay varias peleas y persecuciones que parecen infladas (sobre todo la del aeropuerto) para buscar efectismo a toda costa, y aunque como espectáculo funcionan, realmente trascendencia y recordabilidad tienen poca. Y por el contrario, en el tramo final peca de perder fuelle: la historia de amor se alarga demasiado y termina haciéndose previsible, y el combate del desenlace no es tan impresionante como los del principio. Aunque el hundimiento de la casa en Venecia está muy, muy bien hecho, llega tarde y no es muy llamativo, ni siquiera destaca en cuanto a la implicación de los protagonistas: Vesper está desaparecida sin hacer nada y Bond pega cuatro tiros que no están a la altura de las escenas cumbre de la cinta. Sin duda pretendían tirar por el drama emocional, poniendo a Bond ante un punto de inflexión importante en su vida, pero no funciona del todo, esta parte empieza sin energía tras el interludio de vacaciones románticas y apenas lo recupera. Y luego llega un epílogo que también tarda en arrancar, porque necesita más diálogos y explicaciones.

La puesta en escena de Martin Campbell, que también se encargó de Goldeneye, la única destacable de Brosnan, no destaca por tener mucha personalidad pero sí por ser contundente, impecable. Las complicadas escenas de acción son trepidantes pero claras, con planos abiertos y un montaje excelente que muestran muy bien todos los hechos, mientras que las pausadas mantienen un tempo muy correcto. En los actores, Daniel Craig está fantástico como Bond: imponente, duro, descarado… pero también muestra muy bien todo lo que sufre en las situaciones extremas que vive. Los secundarios cumplen de sobras, destacando a la sugerente Eva Green (Vesper), la rígida Judi Dench (M), y el inquietante Mad Mikkelsen (Le Chiffre).

A pesar de las reticencias iniciales, de alejarse de los cánones del cine de acción actual y de ser bastante densa, sorprendentemente la película funcionó muy bien entre la crítica y la taquilla, y hoy en día de hecho muchas listas la consideran entre las cinco mejores de Bond, algunas incluso la mejor. Para mí le falta algo de equilibrio narrativo para considerarla tan buena.

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Serie James Bond:
-> Casino Royale (2006)
Quantum of Solace (2008)
Skyfall (20012)
Spectre (2015)

Las crónicas de Riddick


The Chronicles of Riddick, 2013, EE.UU.
Género: Acción, ciencia-ficción.
Duración: 119/134 (director’s cut) min.
Dirección: David Twohy.
Guion: David Twohy, Jim Wheat, Ken Wheat.
Actores: Vin Diesel, Colm Feroe, Karl Urban, Judi Dench, Thandy Newton, Alexa Davalos, Keith David, Linus Roache.
Música: Graeme Revell.

Valoración:
Lo mejor: Vestuario y algunos decorados (por calidad, no por diseño). Un reparto sorprendentemente entusiasta.
Lo peor: Guion infame, dirección horrible, dirección artística confusa e irregular, presupuesto muy mal aprovechado.
Mejores momentos: Riddick haciéndose amigo de un perro-alien.

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Alerta de spoilers: Hay spoilers gordos, pero digo yo: qué más da.–

El guionista y director David Twohy sorprendió en el año 2000 con una gratificante serie b de ciencia-ficción que encandiló a los amantes del género y pronto se convirtió en un título de culto, o quizá ni eso, porque lo cierto es que su popularidad es notable. Pitch Black no partía de una base muy original, pero Twohy enriquecía el argumento con detalles muy acertados, recreando un entorno hostil inquietante y atractivo. Además contaba con un grupo de personajes de muy buen nivel, donde destacaba un rol central enormemente carismático, Riddick, encarnado por el musculoso Vin Diesel. Una secuela que siguiera las andanzas de Riddick por el universo era algo muy esperado, pero Twohy decepcionó a lo grande con un despropósito inconmensurable…

Los problemas de Las crónicas de Riddick son muchos, pero el primero es el concepto totalmente equivocado desde el que partió el realizador. La gente esperaba ver un mercenario-delincuente-fugado perseguido por mercenarios cazarrecompensas, y pasa sobre ello de carrerilla para sumergirse en un surrealista y confuso relato sobre una raza de seres místicos llamada Necromongers que va por el universo arrasando con todo. Al parecer buscan la entrada del inframundo o infrauniverso o subuniverso, o algo así, pero no queda claro realmente qué es eso, ni las cualidades de la raza: tiene poderes que no se explican, la naturaleza de sus naves es extraña, lo de invadir mundos en su búsqueda no se entiende… La trama de esta gente presenta una manida e insípida conspiración por el trono, con un rey temible (Colm Feroe), unos súbditos acobardados y traicioneros y una especie de princesa (Thandy Newton) o dama noble (tampoco se explica) bastante inteligente que empuja a su amado (Karl Urban) a ser tan ambicioso como ella. Riddick se ve envuelto en el jaleo por arte de magia, pero luego en un requiebro de guion vergonzoso resulta que sí hay una conexión fuerte con ellos: es el elegido, el superviviente de un planeta arrasado que escapó de las garras del líder para acosarlo ahora que retorna como adulto. Un Harry Potter musculado y asesino, vamos.

El intento de enlazar con Pitch Black a través del musulmán que sobrevivió (Keith David) y la breve estancia en su casa no aporta nada consistente, pero este capítulo lanza la historia principal después de un prólogo que prometía otra cosa (la aventura de supervivencia de Riddick), y presenta el sinsentido que va a ser la película. Aparecen los Necromongers y empieza la fiesta: personajes desubicados en una trama sin mucha cohesión y atractivo, escenas de acción ridículas y llenas de memeces, diálogos acartonados, una puesta en escena muy pobre, salidas de madre surrealistas (los visores, los elementales)…

Entre las cansinas peleas de los necros acabamos porque sí en una cárcel en otro planeta raro, donde tenemos más aventuras sin un arco narrativo tangible, sin un destino claro. Muertes rebuscadas y fugas pretendidamente espectaculares pero demasiado exageradas y con enormes paridas (ese sol que solo calienta donde da, si te cubres a la sombra el clima se mantiene fresquito a pesar de que el resto del planeta está hirviendo literalmente) forman esta especie de subpelícula que termina con un clímax larguísimo lleno de hostias a puños nada llamativas. Nos trasladamos de nuevo a las naves necros para acabar la película con una peleílla de manual en la guarida del villano, adornada con gilipolleces que incluso a estas alturas descolocan (¿esa capacidad de teletransporte de dónde sale?) y un par de sorpresas muy facilonas (el traidor, la posición final de Riddick).

Tanto la trama como el aspecto visual se adornan con elementos que terminan de formar, o más bien deformar, este galimatías. El estilo de los necros es demencial. La mezcla de faraones galácticos en plan Stargate con ese diseño de vestuario y naves salpicados del Dune de Lynch (una especie de armada gótica) y del anime Los Caballeros del Zodíaco (armaduras y armas anacrónicas en gente que domina el viaje espacial) se remata con toques de las fumadas de gente como Giger (diseñador artístico de Alien) y Jean-Pierre Jeunet (realizador de La ciudad de los niños perdidos y Delicatessen), como esos monstruos-visores que no se sabe qué pintan ahí o los interiores de las naves necros, que parecen el nido de los aliens.

Es evidente que Twohy intentó abarcar demasiado y se quedó corto a la hora de darle vida a este universo tan variado (no quiero usar la palabra “rico”), tanto en la narrativa (la falta de cohesión, la mezcolanza de ideas sin objetivo claro) como en lo visual. El presupuesto fue de superproducción, algo más de cien millones de dólares, pero la película parece una obra de serie b hecha con cuatro duros: no gestionó bien los recursos, porque unas partes lucen bien y otras demasiado mal, cayendo hasta el cine cutre en algunos momentos. Hay unos pocos decorados impresionantes, como el interior de la nave necro, enorme y muy detallado (a lo que sumamos el complejo vestuario de sus habitantes), o la cárcel en plan mina abandonada, que contrastan enormemente con el ridículo pueblo de cartón piedra donde vive el musulmán. Algunos planos de los diversos mundos dan bien el pego, tanto en panorámicas como en entorno (los decorados que recrean sus ecosistemas son aceptables), pero en cuanto empiezan a meter naves, humo, polvo y explosiones la mezcla resulta espantosa, pareciendo un videojuego mediocre. Lo de las naves de hecho es incomprensible: son el elemento más antiguo y fácil de hacer en la ciencia-ficción, sea con maquetas o digitalmente, y aquí todas son horribles, no solo por ese diseño grotesco, sino porque cantan un montón a efecto especial barato; luego en cambio nos sacan unos alien-perros, algo extremadamente complejo (movimiento de músculos y tal), y sorprenden por lo bien hechos que están.

Es comparar con producciones que tienen la mitad de presupuesto y lucen diez veces mejor, como Serenity, y queda claro que Twohy ha tirado el dinero de forma extremadamente negligente. Ante este aspecto visual tan caótico y confuso no queda otra que hablar de desastre, incrementado además por la pobre labor de dirección: la fotografía que parece improvisada por un cámara borracho, las escenas de acción chusqueras donde abusa de primeros planos, efectos baratos (flashes constantes para dar sensación de acción) y montaje horrible… ¿Dónde quedó el director que con poco dinero hizo de Pitch Black un título visualmente muy llamativo, que sabía imprimir un excelente tempo narrativo usando sabiamente recursos varios (silencios, iluminación, etc.)?

Algo que sorprende en este despiporre es que los actores se lo toman muy en serio, esforzándose bastante en sus papeles. Si tengo que elegir me quedo con Thandy Newton, con sus miradas intensas llenas de ansias de poder, pero veteranos como Colm Feroe y Judi Dench dejan claro que no están ahí solo para cobrar el cheque, y transmiten seriedad en roles que son risibles. El resto de secundarios está en el mismo tono, destacando a Karl Urban, un valor seguro. Vin Diesel no tiene un papel complejo, su personaje es su físico y porte, y cumple correctamente. La chica que aparece en la cárcel, una desconocida Alexa Davalos, está en esa misma onda. La pena es que como personaje no tenga mucha chicha, a pesar de venir de la primera entrega: es quien se hacía pasar por un chico y se quedó prendada de la forma de vivir de Riddick. Esperábamos que el antihéroe fuera su mentor, pero la reunión de ambos es poco satisfactoria y la muerte de ella en plan cine cutre da penita.

Esta última queja lleva un planteamiento interesante: Las crónicas de Riddick es tan mala que tiene un pie en el cine de pésima calidad y otro en el cine cutre, ese que es divertido por lastimero. Si estuviera metida de lleno en la cutrez hilarante lo mismo podría entretener, pero como no es así resulta un visionado verdaderamente insoportable (y más el director’s cut de dos horas y cuarto). Recaudó 115 millones, así que no fue un fracaso monetario. Twohy tuvo una segunda oportunidad con la tercera entrega, Riddick, donde ofrece lo que debería haber sido esta segunda parte, una emocionante aventura de mercenarios en clave de ciencia-ficción.

Saga Riddick:
Pitch Black (2000)
-> Las crónicas de Riddick (2004)
Riddick (2013)

J. Edgar


J. Edgar, 2011, EE.UU.
Género: Drama, biografía.
Duración: 137 min.
Dirección: Clint Eastwood.
Guion: Dustin Lance Black.
Actores: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Judi Dench, Armie Hammer.
Música: Clint Eastwood.

Valoración:
Lo mejor: Fotografía, ambientación e interpretaciones.
Lo peor: Un guion que no sabe dar vida a la trama. Es aburridísima, insoportable por momentos.

* * * * * * * * *

No esperaba nada de J. Edgar porque las últimas de Clint Eastwood me parecen mediocres (las de la guerra, vaya chapuzas, la de Invictus ni la recuerdo de lo sosa que fue) o demasiado frías y por ello aburridas (El intercambio), y efectivamente no me resultado un visionado entretenido ni le encuentro calidad suficiente como para citarla como una buena película.

En el aspecto visual es de buen nivel, pues Eastwood, aunque no siempre sea un buen narrador, como director tiene técnica y experiencia de sobra. La dirección compone escenas que por sí solas tienen buen cine, calidad evidente en cada plano. La fotografía es buena, aunque demasiado oscura por el uso de filtros para darle un toque antiguo, y la ambientación está muy cuidada desde el vestuario a los efectos digitales, pues aunque estos se noten un poco se usan con sabiduría únicamente cuando son estrictamente necesarios. El maquillaje es espectacular: en caracterización tradicional (en digital tenemos Benjamin Button)- me ha parecido lo mejor jamás visto en envejecimiento de personajes (y no entiendo por qué algunos dicen todo lo contrario, que es horrible). Y sobre todo destaca la inmensa interpretación de Leonardo DiCaprio, con una gran labor física en las escenas en que le toca interpretar a un anciano: cada movimiento y gesto transmiten esa edad de forma magistral. Es ridículo que el actor no esté nominado a los Oscar y otros lo estén por papeles nada llamativos, como Brad Pitt por Moneyball.

Pero de nada sirve que visualmente sea muy profesional y las imágenes en un primer vistazo convenzan (es decir, parezcan ofrecer una buena película) si la base, el guion, es un desastre enorme y el director no sabe mejorarlo, hacerlo más interesante. La narración carece de rumbo, es incapaz de centrarse, de agarrar un hilo conductor y desarrollarlo. La historia de Hoover, el FBI y su relación con el Estados Unidos de la época se intenta tejer a través de idas y venidas en el tiempo y mostrando la evolución del protagonista (tanto la psicológica como la laboral) a saltos a través de distintos episodios de su vida (casos importantes, eventos determinados, momentos cruciales en temas personales), pero cada capítulo queda demasiado desligado del resto, algunos no se sabe qué aportan al conjunto y en más ocasiones de las debidas únicamente añaden innecesarios detalles triviales (los cereales, la firma…). En toda la proyección pesa la sensación de que no se está contando nada concreto, y sin un rumbo claro la trama no puede interesar, con lo que resulta una película notablemente aburrida.

Lo que salva al libreto y por extensión a la cinta de caer en un sonado suspenso es la correcta composición de los dos personajes centrales y su relación. Los intereses de Edgar Hoover (de corte fascista hasta dar asco) y sus artimañas para sacarlos adelante se exponen bastante bien, y la dependencia de su madre, su secretaria y sobre todo de su fiel compañero se muestra correctamente como algo esencial en la forja de su personalidad. Con este compañero desarrolla algo más que amistad, una relación de apoyo mutuo que indudablemente, al menos según esta cinta, hubiera debido madurar en una relación amorosa si la situación social y la educación ultra conservadora de J. Edgar no se hubieran interpuesto. Esa difícil y emotiva situación es lo único que transmite algo en un relato sin forma clara y de desarrollo desesperantemente desequilibrado y lento.

No sé si su nula presencia en la temporada de premios se debe a la inclusión de temática homosexual en una producción en apariencia del gusto de los conservadores miembros del gremio de cine hollywoodiense, pero sorprende bastante dado el hecho de que llevar a cuestas el nombre de Eastwood garantiza buenas críticas aunque no las merezca.