El Criticón

Opinión de cine y música

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Sicario: El día del soldado


Sicario: Day of the Soldad, 2018, EE.UU.
Género: Suspense, acción.
Duración: 122 min.
Dirección: Stefano Sollima.
Guion: Taylor Sheridan.
Actores: Josh Brolin, Benicio del Toro, Isabella Moner, Catherine Keener, Manuel García-Rulfo, Jeffrey Donovan, Shea Whigham, Mathew Modine. Bruno Bichir, David Catañeda.
Música: Hildur Guðnadóttir.

Valoración:
Lo mejor: Más consistente en el argumento y con personajes mejor desarrollados.
Lo peor: Pero algo menos impactante en lo audivisual. También tira de sensacionalismo más de la cuenta.
Mejores momentos: El tiroteo al convoy.

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Sicario fue una rara avis, un thriller adulto en una época en que estos brillan por su ausencia, pues las majors no se atreven a hacerlos, ya ni para las campañas de premios, que centran en gestas de superación personal y dramas de época prefabricados, y menos en una taquilla que esas mismas compañías han saturado de series clónicas, remakes y adaptaciones en su mayoría sin alma y destinadas para todo el rango de público posible. Pero más raro fue que tuviera éxito (teniendo en cuenta su categoría y presupuesto, fue bastante rentable) y cosechara tan buenas críticas. Porque objetivamente no era para tanto, así que su impacto obedece más a su estilo visual tan potente y a la ausencia de propuestas del estilo.

No tardó en hablarse de una secuela centrada en el personaje de Benicio del Toro, aunque al final también han contado con Josh Brolin como coprotagonista. Aunque el guion corre a cuenta de Taylor Sheridan de nuevo (entre medio escribió la estupenda Comanchería), el director Denis Villeneuve no se interesó por el proyecto y este recayó en el italiano Stefano Sollima, que inicia su andadura internacional en cines tras dejar huella en media Europa con las reconocidas series Roma criminal (2008) y Gomorra (2014). Quien no repite, debido a su inesperado y trágico fallecimiento, es el músico Jóhann Jóhannsson; lo sustituye su colaborador, Hildur Guðnadóttir, con una partitura efectiva pero no impresionante.

El estilo, el escenario, el ambiente son los mismos, y el argumento tiene bastante puntos en común, así que es evidente que no han querido correr riesgos. Pero también se esfuerzan para que no deje la sensación de ser una facilona repetición de la jugada. Tenemos una incursión en caravana a Méjico que acojona y acaba con otro tiroteo sobrecogedor, pero a partir de ahí la historia que viven los personajes principales es más variada. Ya no pueden sorprendernos con un complot de la CIA (que dicho sea de paso, tampoco lo hacía entonces, por previsible), así que lo que hacen es ponernos ante un plan que sale mal, de forma que Alejandro (Del Toro) acaba perdido entre fronteras y cárteles sobreviviendo con una chiquilla secuestrada (Isabela Moner), hija de uno de los narcos, y Matt Graver (Brolin) lidia con una cadena de mando que trata de lavarse las manos del pifostio que se ha montado. También se agradece que profundicen en la personalidad y vida de Alejandro, que en la primera parte aunque intrigante resultaba un personaje un tanto artificial. Pero ya que estaban podían haberlo hecho con Graver también, que es otra figura muy atractiva que podía ser explotada mejor.

Esa incertidumbre por el futuro de los protagonistas te mantiene expectante en todo momento por cómo saldrán adelante y qué nuevos retos enfrentarán. En la primera parte la tensión se mantenía más por la extraordinaria labor de Villeneuve tras las cámaras que por el guion, pues incluso contando con algún giro rebuscado la historia se veía venir de lejos. A cambio, Sollima está un peldaño por debajo a la hora de darle intensidad en algunos tramos (algunas secuencias las estira más de la cuenta), pero eso no significa que haga un mal trabajo. Aparte de mantener la expectación constante logra lagunas secuencias que te ponen nervioso y otras espectaculares. Cabe destacar que el tiroteo central es magnífico, la perspectiva del incidente desde la niña nos sumerge de lleno en el caos.

Por otro lado, me temo que el sensacionalismo se mantiene. La propuesta torna un cariz demasiado exagerado a veces. El plan de nuevo es digno de una de acción rebuscada de los ochenta (Stallone, Schwarzenegger) más que de un thriller que pretender ir de serio, y hay situaciones muy pasadas de rosca, como la ejecución. También cabe señalar que en el intento de ampliar miras se han dispersado un poco: toda la subtrama del adolescente que va camino de sicario queda demasiado descolgada, deberían haberla resumido mejor o construido un personaje mucho más llamativo para que no produzca un bajón de interés cada vez que aparece.

Es difícil mantener al espectador enganchado y tenso todo el metraje y conseguir además un buen espectáculo con un thriller tan contenido en ritmo y argumento (no es una intriga densa y trepidante a lo InfiltradosMartin Scorsese, 2006-), y repetir la fórmula tenía todas las de sumar el factor desgaste, pero El día del soldado ha estado a la altura de la primera parte, resultando otro título de intriga y acción más que digno.

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El primer hombre


First Man, 2018, EE.UU.
Género: Drama, suspense.
Duración: 141 min.
Dirección: Damien Chazelle.
Guion: Josh Singer, James R. Hansen (novela).
Actores: Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll, Ciarán Hinds, Olivia Hamilton, Pablo Schreiber, Shea Whigham, Lukas Haas.
Música: Justin Hurwitz.

Valoración:
Lo mejor: Dirección, montaje y sonido en las escenas de pruebas y vuelos.
Lo peor: El resto: melodrama del montón con abuso de artificios y falta de emoción y contenido real.
Mejores momentos: Los tres vuelos, el X-15 (el prólogo), el Gemini, el Apollo XI, y la prueba del módulo lunar.
La pregunta: ¿Por qué cuando aparece un presidente estadounidense real en una película en España se deja sin doblar y se le pone subtítulos?

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Había puesto en cuarentena al director Damian Chazelle tras la insultante (por manipuladora y retorcida pero inverosímil) Whiplash y la simplona La La Land (un musical de baratillo en lo emocional y plagiado en lo visual), pero el argumento, la carrera espacial y la vida de Neil Armstrong, me atraía mucho y piqué. Lo cierto es que con el prólogo la cinta me ganó por completo… pero pronto cae el velo y resulta ser otro engaño. Y otro que ha funcionado, pues de nuevo el trabajo del realizador ha sido puesto por las nubes por gran parte de la crítica y el público (aunque no ha arrasado como el musical) y presumiblemente se llevará multitud de premios.

La realidad es que El primer hombre no es una biografía decente (en calidad tanto como en sensibilidad) de Neil Armstrong, ni un buen drama sobre la familia y la superación personal, ni una oda al héroe con la suficiente épica y profundidad, ni un retrato de la historia riguroso y atractivo. Los puntuales momentos brillantes no bastan para dar cohesión a un relato destartalado donde parece que Chazelle no sabía qué quería contar ni cómo hacerlo. Vuelve a hacer gala de un talento nato con la técnica, usando con maestría el sonido y el montaje (en otra colaboración con Tom Cross) para exprimir al máximo las situaciones con acción o tensión. Pero también muestra no tener visión global, no saber relatar una historia, y su inclinación por el sensacionalismo, el subrayado tosco y la imitación a otras obras para parchear los numerosos tramos que evidentemente no sabe cómo llevar a cabo. El primer hombre es un galimatías de géneros, ideas, estilos y resultados que te deja anonadado en unas pocas escenas, indiferente en unas cuantas más, molesto en otras tantas, y, con la combinación todo, cada vez más desconectado, desconcertado y finalmente aburrido.

En el género de aventuras es donde mejor funciona. Es evidente que imita a Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) e Interstellar (Christopher Nolan, 2014), pero se esfuerza y sale muy bien parado. Con su dominio de la técnica ofrece unos pasajes sobrecogedores tanto en lo visual como en lo emocional: el prólogo, con el X-15 rozando la atmósfera, el Gemini, con el incidente que casi los deja varados en órbita, las pruebas de alunizaje, y en menor medida el vuelo del Apollo XI. La perspectiva en primera persona (todo lo vivimos desde la cabina, como si fuéramos el protagonista), el magnífico uso del sonido y los silencios, el tempo tan cuidado… Te sumerges de lleno en la odisea suicida que fue la carrera espacial, las pasas putas en cada nuevo reto, y acabas dando un gran suspiro de alivio cuando Neil Armstrong sale airoso.

Pero esto es sólo parte de un todo que está muy lejos de funcionar como es debido. El drama es un desastre. No hay un guion que desarrolle una historia y que dibuje un personaje que nos lleven a un viaje concreto, es decir, que partamos de una situación y unos sentimientos determinados y tras una progresión coherente y atractiva acabemos en otro punto, en unas conclusiones o una maduración. O quizá Chazelle pasa del guion, porque viendo Spotlight (2015) está claro que Josh Singer es capaz de desarrollar tramas complejas con numerosos protagonistas interesantes. De la novela de la que parten no puedo opinar, pero dudo que sea tan poco fiel a la realidad y tan incompleta.

Tanto que sufrimos en las pruebas, luego acabarás harto de Neil. ¿Quién es, qué siente, qué anhela, qué piensa de la vida, el trabajo, los amigos y la familia? Nada se responde a pesar de que en este cambio de registro mantiene por lo general la primera persona, con constantes planos sobre la cara o el hombro del astronauta. El único poso dramático que tenemos es la hija fallecida, pero Chazelle está empeñado en hacerlo el centro de su vida con su habitual énfasis melodramático tan forzado, y no funciona. Primero, porque no se entiende: ¿por qué tener un hijo muerto debería otorgarle sin más tanta determinación en la carrera y distanciamiento con la familia? Si no desarrollas y justificas el recorrido emocional del personaje sabe a recurso barato. Neil termina siendo una pobre recreación del típico héroe impoluto que ha nacido así de fuerte y decidido (porque Estados Unidos es así de grande) y al que nada nada en el mundo doblegará.

La trama es inexistente, la carrera espacial se la toma unas veces en serio, otras como algo secundario y nos vamos a líos familiares, otras parece querer hablar en general de los héroes, pero sin analizar nada al respecto, sino mostrando a un robot sin alma. Ryan Gosling vuelve la actuación inexpresiva con la que empezó su carrera, así que imagina tener toda la película al protagonista con la misma cara y sin transmitir ninguna emoción: menudo coñazo de personaje. Por el contrario, Claire Foy (The Crown, 2016) como su esposa está estupenda, pero es un pegote, unas veces parece estar para mostrar que Neil tenía una vida, otras intentan darle protagonismo sin lograr también contar nada llamativo. Porque en esos vaivenes de género y estilo el director de vez en cuando rompe la primera persona para andar un rato sin saber por qué con otros personajes.

Con la familia de Neil tenemos repentinos videoclips a lo Terrence Malick (La delgada línea roja -1998-, El árbol de la vida -2011-), con su característica cámara en mano, iluminación natural y música contemplativa con la que sigue a los protagonistas en sus quehaceres. Pero aparte de que este cambio de tono desentona un montón, la imitación que hace Chazelle es chapucera. La cámara en mano es caótica, pone frenesí cuando se requiere contención, la iluminación, tan concisa y realista en los vuelos, resulta demasiado rebuscada (artificial fingiendo ser natural), y la música de Justin Hurwitz es horrenda, una tonadilla repetitiva muy cargante. Otras veces da la sensación de imitar al Ron Howard de Apollo XIII (1995), con la esposa esperando en casa inquieta las noticias de triunfo o muerte, la prensa representando el variable interés social y mediático, y el ajetreo en la sala de control. Y otras se va a añadidos aún más inconexos, como la larga escena del Apollo I donde mueren calcinados personajes secundarios que antes apenas salían de refilón y con los que no se ha llegado a mostrar nunca camaradería, competición o cualquier cosa que los haga relevantes en la vida de Armstrong y para el espectador. Así que, ¿en qué quedamos, aventura de superación en primera persona o un drama más global?

La recreación histórica es otro caos. Saltando de las cuatro pruebas y vuelos al relleno dramático no se vislumbra un contexto histórico concreto, un progreso de la carrera espacial comprensible. Un día están entrenando y parece que Chazelle trata de poner intriga sobre qué les deparará el futuro, pero en la siguiente escena estamos en pleno vuelo crucial sin saber qué han aprendido y sudado entre medio. Y de repente nos encontramos en el Apollo XI sin saber qué ha sido de los demás pasos del proyecto. ¿No hay más pruebas, se lanzan a la Luna a lo loco? Aquí tampoco se decide a elegir una perspectiva, si la odisea de Armstrong o la historia en su conjunto. A veces trata de ampliar el objetivo para incluir a más personajes secundarios relevantes en los hechos, pero se queda a medias, y casi mejor, si el panorama va a ser como el que se vislumbra. Primero, por el citado Apollo I: ¿a santo de qué viene si sólo nos centrábamos en el esfuerzo de Armstrong? Y segundo, por la vergonzosa descripción de los otros tripulantes del vuelo a la Luna: Buzz Aldrin como gilipollas perdido y Michael Collins como un don nadie. Armstrong es el que hace todo, desde comandante a piloto de módulo espacial y del lunar, como si no hubiera nadie más abordo en entrenamientos y misiones.

Con esa falta de coherencia, como señalaba, la cinta se va haciendo confusa y pesada conforme avanza. El viaje del Apollo XI vuelve a levantar un poco el interés cuando ya estaba por los suelos, pero aquí el director no está a la altura de las otras situaciones de este tipo: cuando llega la hora del alunizaje se empeña en alargarlo mezclando sin ton ni son con el drama (incluyendo esa banda sonora molesta), hasta acabar con el relamido plano de la pulserita soltada en el cráter. Ahí queda claro de nuevo que a Chazelle no le gusta o no sabe contar las cosas bien y con naturalidad, sino el sensacionalismo de brocha gorda: no, Neil no soltó un cursi recordatorio familiar, sino objetos en homenaje a Yuri Gagarin y Vladímir Komarov, los primeros cosmonautas rusos, ya fallecidos, y también a sus tres compañeros muertos en el Apollo I (sí, después de todo el lío, ahora se olvida de ellos). Será que todo eso no provoca la lagrimita fácil.

No me gustan las biografías que se inclinan tanto por la ficción a la hora de tratar la vida de personajes tan recientes, me sabe a arrogancia el presuponer que en el fondo pensaba una u otra cosa, y ya sabemos que Hollywood es muy dado a idealizar cuando no directamente inventar (tenemos reciente los bochornosos casos de Dallas Buyers ClubsJean-Marc Vallée, 2013- y Descifrando EnigmaMorten Tyldum, 2014-). En los casos en que no conozco al personaje (o no lo hago a fondo) quizá no me apetezca tener que leerme paralelamente artículos y biografías para comprobar si me engañan o no, quiero y espero que sean honestos y fieles, algo que no tiene por qué estar reñido con el entretenimiento. En este caso sí sé bastante del tema y he indagado alguna otra cosa (la dichosa pulsera), y puedo confirmar que El primer hombre entra en la categoría de biografías falsas y manipuladoras que más vale no tener en cuenta a la hora de querer aprender sobre el periodo y las figuras implicadas.

Por extensión, otro aspecto que no me convence nada es que no nos muestran ningún trabajo científico más allá de cuidar la verosimilitud del vuelo espacial. Dada la temática, qué menos que intentarlo. El entrenamiento y los vuelos sólo se basan en la heroicidad de Neil, y todo el proyecto lunar sólo se justifica por la parte política, la guerra fría y la superación a los rusos, nunca se habla claramente de los retos científicos, de la ingeniería aeroespacial, ni siquiera se muestra un trabajo real en el alunizaje: hubo experimentos y recogida de muestras, no fue sólo un paseo de la victoria para EE.UU., sino, como dijo Neil Armstrong, un gran salto para la humanidad.

Venom


Venom, 2018, EE.UU.
Género: Superhéroes.
Duración: 112 min.
Dirección: Ruben Fleischer.
Guion: Jeff Pinker, Scott Rosenberg, Kelly Marcel.
Actores: Tom Hardy, Michelle Williams, Riz Ahmed, Jenny Slate, Reid Scott.
Música: Ludwig Göransson.

Valoración:
Lo mejor: Venom es inquietante, divertido y espectacular, y Tom Hardy un gran actor.
Lo peor: La penosa forma en que los desaprovecha un guion ahogado en tópicos y una puesta en escena regulera. El resto del reparto es lamentable. La música machacona. El dinero no luce.
Mejores momentos: Eddie conociendo a Venom. El contraste entre las dos escenas en el supermercado.
La frase: ¡Salta!… Cobarde.

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Estamos ante otro caso donde un estudio (Sony de nuevo, no aprendieron tras hundir The Amazing Spider-Man) interfiere en el rodaje en las etapas final de una película, alterando el montaje y estrenando una versión presumiblemente de menor calidad y más comercial. El propio Tom Hardy afirma que han quitado sus partes favoritas. Sin embargo, en esta ocasión tengo dudas. Es cierto que se adivina un potencial mayor en la propuesta, pero más por las posibilidades que un personaje como Venom en modo desatado y un actor como Hardy ponen en bandeja que por lo que se puede deducir viendo la cinta estrenada.

Se puede pensar que los directivos del estudio la han dejado en un armazón: la premisa pasa por todos los clichés del género, la descripción de los personajes es vulgar, las relaciones se quedan en un par de brochazos mal dados, la confrontación es previsible y monótona, y la narración va entrecortada sin terminar de pararse a desarrollar nada concreto, como pensando que cumpliendo con los tópicos más básicos bastaba para triunfar. Pero, ¿de verdad pensáis que unas pocas escenas más, por mucho que tuvieran más garra y mejores diálogos, mejorarían la relación entre Eddie y Anne? Si tenemos aquí las partes más relevantes y más bien provocan vergüenza ajena, dudo que estirarlas con escenas secundarias lo arreglara. Lo mismo se aplica al resto. Con un villano tan ridículo (y aquí hay que incluir también el nefasto casting) no creo que más minutos puedan levantar el nivel. Quizá, después de todo, los odiados directivos han salvado un despropósito más grande. Lo único que cabe pensar es que restringiendo la edad a mayores de 12 años en vez de a mayores de 18 nos hemos perdido las partes más brutas y sangrientas de Venom (seguramente las que cita Hardy), y aun así tampoco creo que eso bastara para salvar este esperpento. Pero me voy a centrar en analizar la versión estrenada, que al fin y al cabo es la única que hemos visto…

La historia es rutinaria, predecible, aburrida. Un paria que no consigue sacar adelante su vida (trabajo, novia) adquiere superpoderes y ahora debe enfrentar el dilema de la responsabilidad contra los deseos personales inmediatos, y se encontrará con un villano megalómano que le hará decidirse de una vez por todas. El primer acto va a toda leche, saltando entre escenas sin que dé tiempo a respirar, a que nada cale, como intentando quitarse de en medio el trámite para pasar a lo importante. Pero el efecto conseguido es el de frialdad, de falta de contenido: tenemos un argumento muy visto y para colmo es desarrollado con desgana y a la vez prisas. Si habláramos de un par de prólogos, pero es que la presentación ocupa más de cuarenta minutos. Así que el aburrimiento empieza pronto y dura bastante.

La entrada tardía de Venom en acción en el acto central reactiva el interés. La adaptación entre él y Eddie ofrece unos encontronazos facilones pero divertidos, y Hardy está como siempre estupendo: su representación del tontorrón que se ve superado es magnífica. Pero lo cierto es que la aventura carece del toque adulto, violento y gamberro que se espera dado el personaje que tenemos entre manos, en los cómics un ente espeluznante que saca lo peor de los distintos individuos, incluyendo superhéroes, por los que pasa. Y aunque el ritmo se sosiega y van poniendo más énfasis en cada aspecto, a cambio van creciendo las situaciones cutres. La científica queda como idiota en cada escena, la entrada de Eddie en el complejo, paseándose sin encontrar seguridad alguna, es ridícula, las apariciones del nuevo novio son lamentables, en especial en la resonancia, cuando emerge Venom y discuten tonterías a pesar de tener un alien ahí al lado, etc., etc.

En estas circunstancias, el amago de que el dúo Venom-Hardy va a salvar la proyección se va diluyendo, y todo apunta a un desenlace trilladísimo. La anodina confrontación con el villano termina de confirmar ese nuevo bajón, acabando en una pelea final muy ruidosa pero sin emoción alguna en el espectáculo y el drama.

El guion es bastante malo, pero el casting termina de rematar lo poco que dan de sí los personajes. Da la sensación de que tras asegurarse a Hardy eligieron a los demás intérpretes con una lotería. Michelle Williams, a pesar de su talento, muestra la misma expresión todo el rato, no se sabe qué siente por Eddie en las distintas etapas de la historia, y cuando entra en acción seguimos sin saber qué la mueve, ni si está sufriendo o qué. A Reid Scott, el nuevo novio, no sé si le dijeron que estaba rodando una comedia, porque desde luego parece tomárselo como tal. La investigadora con dudas, Jenny Slate, causa tan poca impresión que te olvidas de ella en cuando desaparece del plano. Y lo más grave, no sé en qué cabeza cabe elegir a un joven con cara de pasmado y sin dotes interpretativas como Riz Ahmed para un villano que debe dar miedo. Las escenas en que se supone que se impone a sus empleados provocan lo contrario, vergüenza ajena: termina siendo una parodia involuntaria con la que no sabes si reírte o poner cara de asco.

La dirección de Ruben Fleischer está más en la onda de Brigada de élite (2013) que de Bienvenidos a Zombieland (2007). Venom requería el tono enérgico y alocado de la segunda, pero se queda en la apatía y mediocridad de la primera. También para mal destaca la banda sonora de Ludwig Göransson, quien deslumbrara en Black Panther (Ryan Coogler, 2018) con una partitura original y muy trabajada, pero aquí compone a base de samplers una de acción ordinaria y machacona. Los efectos especiales de Venom están bien hechos, pero no hay más, el director no parece poner mucho empeño en buscar escenarios vistosos que impresionen, así que los cien millones de dólares de presupuesto no lucen nada.

Las persecuciones son simplonas y acaban haciéndose largas, las peleas a tortas, a pesar de los poderes de Venom, no resultan nada espectaculares por culpa de la falta de imaginación y del pésimo montaje, y la batalla final llega con el interés por los suelos y no consigue volver a despertarlo con ese escenario tan poco interesante (la rampa de acceso al cohete) y las hostias repetitivas donde se hace más patente la falta de visión. La única escena de acción rescatable es aquella en que los SWAT o quienes fueran atacan a Venom, donde hay más variedad de situaciones… aunque sea un calco descarado de la escena de Terminator II (James Cameron, 1991) en la que los protagonistas salen de las oficinas de Skynet rodeados de policías.

Otra a la que me recordó es Lo oculto (The Hidden, Jack Sholder, 1987), por eso de tener un alienígena negro y asqueroso usando a gente para pasárselo a lo grande en la Tierra. A pesar de sus limitaciones presupuestarias aquella tenía más savia y gracia.

En cuanto al género de superhéroes, Venom entraría para mí en la categoría de olvidar inmediatamente y hacer como que no existe, pero al final tenemos otro caso donde una película simple y tonta triunfa, dando así, me temo, la razón a los estudios, y es tildada de un buen entretenimiento mientras otras con mucha más calidad han sido maltratadas injustamente, como, sin ir más lejos, la anterior aparición de este personaje, Spider-Man 3 (Sam Raimi, 2007), destacable precisamente por lo que aquí brilla por su ausencia: el buen trabajo con los personajes. Hay muchas veces que no entiendo a los espectadores.

Jurassic Word: El reino caído


Jurassic World: Fallen Kingdom, 2017, EE.UU.
Género: Acción.
Duración: 128 min.
Dirección: J. A. Bayona.
Guion: Derek Connolly, Colin Trevorrow.
Actores: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Rafe Spall, Justin Smith, Daniella Pineda, James Cromwell, Toby Jones, Ted Levine, Jeff Goldblum, BD Wong, Geraldine Chaplin, Isabella Sermon.
Música: Michael Giacchino.

Valoración:
Lo mejor: Dirección, efectos especiales y sonoros y banda sonora ofrecen un visionado a ratos espectacular y trepidante.
Lo peor: La mezcla de géneros, historias y personajes poco meditada: la falta de ambición, coherencia e inteligencia, los escenarios absurdos, las ideas inverosímiles, los protagonistas estereotipados, los diálogos tontos… ¡Y el espantoso póster!

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Alerta de spoilers: Ahondo bastante en las líneas argumentales, incluyendo algunas sorpresas finales.–

Para mí está claro que estamos condenados a no volver a tener una buena película de Parque Jurásico (Steven Spielberg, 1993). Ya las dos primeras secuelas se quedaron muy lejos del memorable título inicial, pero tras el increíble éxito del renacimiento con Jurassic World (Colin Trevorrow, 2015) a pesar de su visión tan simplista, de su formato de taquillazo de usar y tirar, era indudable que mantendrían ese estilo. Así llega El reino caído con la misma falta de ambición, inteligencia y respeto por la saga y los espectadores, y hace otra ingente cantidad de dinero (porque después de todo al público no parece importarle que le tomen el pelo una y otra vez) que termina de enterrar las pocas esperanzas que quedaran en tener una vuelta a un cine más serio.

Como es habitual en este tipo de superproducciones comerciales el acabado final es una amalgama de ideas y egos de productores y de autores que intentan dejar su sello pero, o no les dejan, o se pasan de largo. Distintas premisas se pisan, incluyendo repetición de ideas ya vistas en la saga (y con infinidad de referencias innecesarias), los escenarios se amontonan sin que haya una cohesión narrativa clara, los personajes obedecen a estereotipos de distinta índole mezclados sin un objetivo concreto ni una coherencia dramática atractiva. Si no fuera porque, como en el episodio precedente, el talento del director y las cantidades ingentes de dinero consiguen una cinta de acción espectacular, el resultado sería digno del cine cutre.

Unos productores querían el remake “velado” a El mundo perdido (Steven Spielberg, 1997), así que tenemos una visita a la isla con mercenarios cazando dinosaurios. Había que mantener a los personajes de esta nueva etapa, y ahí los tenemos metidos en todo sin que sepamos muy bien qué nos quieren contar con ellos. Otros quieren pasar a un nuevo escenario para poder expandir la saga, así que a media película cambiamos de argumento porque sí, yéndonos a una historia de venta de dinosaurios a ricos y mafiosos. Algún listo quería extender aún más la ya de por sí fallida idea de crear monstruos nuevos con la excusa de la genética, así que ahora tenemos humanos clonados también. Y finalmente, si bien J. A. Bayona está impresionante con la cámara, dista de mantener ese listón en sus grandes aportes a la historia. Mete con calzador su propio segmento, forzando una película de terror en la línea de El orfanato (2007) donde se espera tensión y aventuras de corte más juvenil (los niños que había en mi sala las pasaron putas).

El prólogo es la primera gran muestra de lo poco que se trabajan el guion, la continuidad, la seriedad de la propuesta y por extensión el respeto al espectador. En Jurassic World el recinto acuático del mosasaurio estaba en el interior de la isla, pero aquí quieren sacar a los dinosaurios del parque, así que aparece en la costa y con una puerta. De la misma forma, el T-Rex había sido engullido por este bicho más grande al final de aquella entrega, pero ahora tenemos otro por ahí pululando… aunque eso sí, la escena posterior en que le sacan sangre está muy bien. Por lo demás, bien podían haberse ahorrado esta introducción, es la típica escena de extras aleatorios muriendo por su avaricia y torpeza, no aporta nada sustancioso.

La vuelta a la isla por la catástrofe inminente del volcán es el mejor tramo a pesar de su falta de novedades y trascendencia. Es una aventura intensa aunque no sea muy inteligente (qué pintan los niñatos esos, con la de expertos que habrá en informática y biología con experiencia en misiones peligrosas), y cuando Bayona da rienda suelta al espectáculo te quedas pegado a la butaca. Incluso hay momentos emotivos: consigue que el destino de los dinos dé pena, con ese brachiosaurio engullido por la lava. El problema es que faltan personajes con garra que hagan de la aventura algo realmente emocionante. La pareja protagonista es simpática, pero por el carisma de Bryce Dallas Howard y Chris Pratt, porque a pesar de tener ya a cuestas otra película siguen atascados en un dibujo simplón. Nos lo presentan como distanciados sentimentalmente (qué penosa la escena del bar), para forzar el cliché cansino de la relación amorosa en tensión, pero en el resto de la película no hay un acercamiento visible, como en la primera parte, al final vuelven a acabar juntos porque hay que cumplir con el tópico. Así que sin un dibujo elaborado ni una progresión dramática tangible me importan bien poco sus destinos. Y no digamos ya el del resto del equipo…

El traslado a tierra firme tenía inicialmente algo de tensión, con los protagonistas infiltrados tratando de acabar con los planes de vender dinosaurios a ricos mafiosos (todos representados por los estereotipos más cutres y racistas que puedas imaginar). Pero en vez de mantener esa premisa y centrarse en la aventura de supervivencia se van por las ramas con diversas historias cada cual más absurda.

Tenemos la parida de vender dinosaurios como armas, donde no se tiene en cuenta la complicadísima logística de mover un animal tan grande y con necesidades especiales por el mundo y el poco secreto con el que se puede hacer. Pero con el indorraptor alcanza niveles delirantes. Resulta que con un rifle equipado con un láser apuntas a la persona objetivo y aprietas el botón para que un pitido haga que el indorraptor ataque… Pero claro, cabe preguntarse para qué necesitas un dinosaurio si ya estás lo suficientemente cerca del objetivo como para apuntarle: dispara y punto.

Lo entremezclamos con el dramón de la chiquilla y el abuelo, al que presentan casi diciendo que es John Hammond pero luego resulta que era su compañero empresarial del que nada sabíamos. Esta línea tan ajena y poco interesante la rematan con la revelación final de que la niña es un clon de la esposa fallecida de este señor que tan poco nos importa, alcanzando así el disparate cotas épicas, porque dicen varias veces que Hammond y esta burda imitación se separaron porque se hizo el clon… es decir, que la chiquilla que aparenta diez años tiene veinticinco y un buen problema de crecimiento y de desarrollo intelectual y emocional. Por no decir que lo que aporta a la trama es menos que cero, porque el intento de dar intriga a sus orígenes genera confusión y la sorpresa es aún más forzada, pues crees que va a tomar relevancia alguna en lo narrado pero pasan de ello sin más. Sólo falta que en próximas entregas tenga poderes mágicos.

La trama central de este segmento, la venta de dinos y los protagonistas luchando contra esos supuestos criminales (¿no es mejor que el dinosario esté en la hacienda de un rico, bien cuidado, a muerto en la isla?) queda relegada a excusa para mover la acción. Los villanos son estereotipos vulgares que molestan en cada frase estúpida que sueltan, los secundarios “graciosos” no hacen nada más aparte de rellenar escenas pretendidamente más livianas pero que resultan cargantes, los protagonistas tampoco aportan ninguna aventura digna más allá de sufrir, gritar y correr, y los dinosaurios no se sabe por qué los persiguen con tanto ahínco. Con todo, de nuevo Bayona deslumbra con una puesta en escena contundente que, apoyada en los efectos especiales y sonoros impecables y la ostentosa música de Michael Giacchino, garantiza tensión y asombro en cantidades que incluso llegan a ser excesivas: al final acabarás harto del cansino indorraptor y las apariciones aleatorias de Blue. Escenas como la de la habitación y la de los tejados parecen tan gratuitas que ya había desconectado por completo, pero el dilema moral final de si dejar a los dinos vivos o no (recordemos, una creación de laboratorio que amenaza ecosistemas y humanos por igual) es vergonzoso.

Acabamos con las muertes cómicas de los villanos que todos esperábamos, porque ya Spielberg apuntó en el nacimiento de la saga a un tono familiar-infantil excesivo, y desenlaces abiertos para nuevas entregas que no sé cómo todavía hay espectadores que esperan con interés.

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Saga Parque Jurásico:
Parque Jurásico (1993)
El mundo perdido (1997)
Parque Jurásico III (2001)
Jurassic World (2015)
-> Jurassic World: El reino caído (2018)

Misión imposible: Fallout


Mission: Impossible – Fallout, 2018, EE.UU.
Género: Acción, suspense.
Duración: 147 min.
Dirección: Christopher McQuarrie.
Guion: Christopher McQuarrie.
Actores: Tom Cruise, Henry Cavill, Ving Rhames, Simon Peg, Rebecca Ferguson, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sean Harris, Michelle Monaghan, Vanessa Kirby.
Música: Lorne Balfe.

Valoración:
Lo mejor: Un portento visual con escenas de acción memorables. Mayor recorrido dramático de los protagonistas.
Lo peor: Se termina de dejar de lado el género de espionaje y suspense serio. Alguna situación menor un poco cogida por los pelos.
Mejores momentos: La persecución en moto, la pelea de helicópteros, la confrontación final en la montaña.
La frase: Su misión, si decide aceptarla…

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No esperaba novedades y subidones de calidad en la saga Misión imposible, parecía que sus productores, Tom Cruise a la cabeza, habían dado con la clave para amasar dinero y se aferrarían al esquema mientras pudieran. Dejar de lado el thriller de espionaje, simplificar las tramas a una somera exposición de los giros traiciones y escenarios de siempre, llevar a los personajes más hacia el género de superhéroes que al del drama serio y limitar su progresión a que cada uno tenga su momento de lucimiento pero sin cambio real, y centrarse en narrar a toda leche para que no se noten las carencias, colocando con calzador unas cuantas secuencias de acción poco inspiradas pero al menos bien rodadas. El equilibrio entre el desgaste y la simpatía del producto final mantuvo las dos últimas entregas en el limbo de películas muy entretenidas pero que no calan lo más mínimo en la memoria, así que yo ya daba por muerta a la serie. Pero por una vez la máxima de “más grande es igual a mejor” se cumple con creces en este nuevo episodio, y eso a pesar de estar escrito y dirigido por el encargado de la anterior, Christopher McQuarrie.

En realidad debería quejarme, pues han terminado abandonando del todo el cine de espías serio que tan buenos resultados dio en la primera y tercera entregas, al menos en calidad, porque en recepción el capítulo orquestado por J. J. Abrams se resintió un poco. Por si fuera poco, todavía se nota un poco que las secuencias de principales acción son versiones de las que han funcionado previamente en la saga: no falta la persecución en moto y un final de infarto con helicópteros. Pero lo cierto es que echando toda la carne en el asador esta vez disimulan muy bien la tendencia a la simplificación y la falta de imaginación. Tanto en el desarrollo de personajes como sobre todo en lo visual han puesto mucho esfuerzo, consiguiendo una cinta de acción emocionante y espectacular a niveles inesperados, hasta el punto de tener que citarla entre las mejores del género de los últimos años.

También puedo mencionar algún pequeño punto gris, como la tonta presentación del nuevo personaje (el agente de la CIA interpretado por Henry Cavill), en plan chaval de instituto haciendo bromas inverosímiles como quitarle el oxígeno al compañero en un salto en paracaídas, y cabe preguntarse qué hace el secretario de estado (Alec Baldwin) apareciendo a solas en un lugar de reunión de espías en media misión. Pero son cosas que se olvidan pronto; la primera, en la contundente pelea en el baño en la discoteca, la segunda, porque la escena de engaños y traiciones de turno es muy efectiva.

Se maneja mejor la continuidad, algo que echaba en falta en episodios previos. Aunque sea en parte a costa de repetir con un villano a lo James Bond (el encarnado de nuevo por Sean Harris), lo de luchar contra los restos de su organización da una correcta sensación de continuidad y familiaridad. Además, la confrontación pasa factura a los protagonistas, encontrándose Ethan Hunt y sus compañeros ante el reto más difícil hasta el momento. Se los ve sufrir en cada tramo de la misión, pero también asistimos a una lucha interna que sorprende muy para bien a estas alturas. El equipo duda en algunas situaciones, e incluso de las capacidades de Ethan, y este se enfrenta a unos dilemas éticos muy complicados. La escena en que se imagina matando policías para poder salvar a cientos de miles potenciales víctimas es sorprendentemente dura y cruel. Toda la película gira alrededor de ese tipo de decisiones, jugando con la sensación de que Ethan puede convertirse en un agente capaz de justificarlo todo por la misión, acercándose así a la máquina de matar sin brújula moral que son los villanos a los que se enfrenta. Por supuesto, esto es una de acción y héroes, así que el discurso es un tanto simple, con el bien y el mal en dos extremos muy claros, pero lo que vemos vale para dotar de mayor densidad a una premisa que parecía agotada.

Siguiendo con los personajes, cabe pensar que ya que han recuperado a Michelle Monaghan podían haber traído a Maggie Q y otros compañeros del episodio tercero, que resultaron muy simpáticos pero han sido olvidados por completo. En cambio, no aparece Jeremy Renner (por problemas de agenda)… y no me había dado cuenta hasta que lo he leído por internet después de verla, así de poco que aportaba su personaje, un comodín en la lucha de despachos en Nación secreta y un cero a la izquierda en Protocolo fantasma.

En cuanto a la acción, McQuarrie supera con creces lo visto en el capítulo precedente, tanto a la hora de imaginar situaciones grandilocuentes pero con algo de carga dramática como a la hora de plasmarlas en imágenes. Critiqué en aquel que la persecución, bien encaminada, acababa tirando más de la cuenta los por efectos digitales, y que el asalto al servidor de datos no era sino una versión del visto en la primera película. Aquí tenemos otra confrontación con coches y motos, así que cabría preguntarse a qué viene teniendo aquella tan fresca, pero la verdad es que resulta memorable, no se ha visto nada semejante en persecuciones desde Ronin (John Frankenheimer, 1998), aunque las de Jason Bourne no estaban mal tampoco. Nos recorremos París a toda leche con infinidad de momentos alucinantes y giros imaginativos que enriquecen el escenario, y todo ello sin sensación de que hay efectos especiales, sino personajes pasándolas putas por escapar y sobrevivir, chocándose incluso de vez en cuando. Y a eso le sumamos el desconcierto (en quién pueden confiar) y los conflictos morales (improvisar para salvar vidas y no reventar la tapadera en el proceso), con lo que además de asombroso resulta muy emocionante.

Como señalaba, tampoco es nuevo un clímax con helicópteros, pero que me aspen si esperaba algo la mitad de impresionante. De nuevo tenemos a Tom Cruise dándolo todo, colgando de la carga, cayéndose, agarrándose como puede, pegándose hostias alucinantes por la montaña… ¿Cuánto hizo él y cuánto es efecto especial? No quiero saberlo, el engaño es perfecto, parece una situación real grabada por un testigo, sobrecogedora como pocas del género a pesar de que a estas alturas es muy difícil sorprender. Atención además a las deslumbrantes imágenes de la naturaleza, el director aprovecha al máximo las localizaciones.

La cinta sólo se podría mejorar con una banda sonora más trabajada. Se echa de menos a Danny Elfman, Michael Giacchino y Joe Kraemer, pues Lorne Balfe es un alumno de la factoría Hans Zimmer, todo sintetizador y jugar con el ritmo y el volumen más que con la composición, convirtiéndose en un efecto sonoro más que una música que refuerce sensaciones concretas.

Ahora queda la duda de si realmente es necesaria otra entrega tras este sensacional hito. ¿Tienen algo más que contar, hay forma de superar el nivel visual? Sería hora de darle un giro, pero no creo que se atrevan.

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Serie Misión Imposible:
Misión imposible (1996)
Misión imposible 2 (2000)
Misión imposible 3 (2006)
Misión imposible: Protocolo fantasma (2011)
Misión imposible: Nación secreta (2015)
-> Misión imposible: Fallout (2018)

Héroes en el infierno


Only the Brave, 2017, EE.UU.
Género: Drama.
Duración: 134 min.
Dirección: Joseph Kosinski.
Guion: Ken Nolan, Eric Warren Singer, Sean Flynn (artículo).
Actores: Josh Brolin, Miles Teller, Jeff Bridges, Jennifer Connelly, James Bagde Dale, Tyalor Kitsch, Andie MacDowell.
Música: Joseph Trapanese.

Valoración:
Lo mejor: La seriedad y contención en contra del sensacionalismo y el ensalzamiento habitual del género.
Lo peor: Se podría haber agilizado el ritmo. A la catástrofe le falta algo más de tensión y espectáculo.

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Héroes en el infierno es una pequeña y grata sorpresa. Lo habitual en el género son melodramas de ensalzamiento de héroes con hazañas aderezadas con mucho sensacionalismo. Pero estamos ante una representación de un suceso trágico y heróico que no se limita a dibujar los personajes con cuatro arquetipos vistosos y a meterlos en una situación que se resuelve por su superioridad nata, sino que sus autores han buscado un acercamiento más serio, mostrando los hechos y sus protagonistas con naturalidad y objetividad. Es un riesgo, dado que el público está acostumbrado al espectáculo vacuo y también porque un drama tan mundano puede resultar aburrido, pero salen airosos con un relato ameno y emotivo en su justa medida para pasar un buen rato.

Básicamente seguimos la vida de un grupo de currantes ante un reto, así que predominan las anécdotas del trabajo, los conflictos personales, y los líos diarios en casa. Los bomberos nuevos tienen que integrarse, los problemas en casa los afectan y pueden superarlos o no… Las historias quizá no sorprendentes pero son efectivas, componiendo un retrato de los implicados muy verosímil. No ves a novato torpe, al jefe duro, al compañero graciosete de tantas otras películas de esta índole, sino a gente real, con aristas y cambios de humor, con problemas, fallas y virtudes.

Y mientras, se va sembrando la semilla de la tragedia. La falta de recursos, el peligro potencial y la catástrofe que nunca esperan que llegue pero lo hace en su máxima expresión. Pero me temo que, después de todo, la gesta final de los bomberos no tiene tanta épica como se espera. El fuego los alcanza y poco más. Ahí sí podrían haber dejado un poco de lado sobriedad y trabajado más el clímax de tensión y el sentido del espectáculo. El primer aspecto se ve que lo busca el director Joseph Kosinski (Tron: Legacy, 2010, y Oblivion, 2013), intentando generar desazón con numerosos planos que muestran el avance del fuego, pero no es suficiente para transmitir la sensación de peligro necesaria para ponernos los pelos de punta y sufrir por el inminente destino de unos personajes que hasta entonces nos estaban interesando bastante. La floja música de Joseph Trapanese también influye en la falta de pegada de las escenas clave. En pocas palabras, el desenlace se ve venir como un trámite y ya está.

La otra única carencia notable sería la interpretación tan desganada de Miles Teller (ya estuvo muy flojo en la sobrevalorada WhiplashDamian Chazelle, 2014-), que se queda a años luz de un reparto estupendo encabezado por Josh Brolin, Jeff Bridges, Jennifer Connelly y Taylor Kitsch.

12 valientes


12 Strong, 2018, EE.UU.
Género: Acción, bélico.
Duración: 130 min.
Dirección: Nicolai Fuglsig,
Guion: Ted Tally, Peter Craig, Doug Stanton (novela).
Actores: Chris Hemsworth, Michael Shannon, Michael Peña, William Fichtner, Navid Negahban.
Música: Lorne Balfe.

Valoración:
Lo mejor: Unos pocos secundarios de nivel, el carisma de Chris Hemsworth.
Lo peor: Puesta en escena limitada, no da el espectáculo que se espera. Guion mediocre, lleno de clichés, diálogos cutres y propaganda “made in USA”.

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Con este tipo de películas te la juegas a que sea un típico panfleto yanqui, pero es difícil no caer cuando el género bélico te resulta atractivo, y más si, como en mi caso, se tiene fresca en la memoria la magnífica El único superviviente (Peter Berg, 2013). Así que alguna expectativa tenía, al menos con que fuera un buen espectáculo. Pero 12 valientes no llega ni a la correcta 13 horas: Los soldados secretos de Bengasi (Michael Bay, 2016); hasta El francotirador (Clint Eastwood, 2014), de la que me quejé bastante por su sesgo, tenía una consistencia dramática y un nivel visual suficiente como para entretener bastante. Aquí estamos ante un ejemplo de lo peor que puede dar la propaganda ideológica, un título que por su escaso calado y calidad debería haber ido directamente al videoclub y la televisión. Pero de alguna forma consiguieron reunir un reparto de rostros conocidos con el que probar suerte en cines… aunque finalmente el boca a boca dejó su recaudación bajo mínimos: 67 millones de dólares mundiales apenas cubrirá el presupuesto (35 millones) más la distribución y publicidad.

Cabe preguntarse cómo un actor con la vida resuelta como Chris Hemsworth elige una obra con potencial de polémica o como poco con una ideología tan forzada. Tened en cuenta que nació en Australia con ascendencia europea y que el grueso de su carrera se basa en sagas de fantasía, así que me extraña que se meta en un trabajo que podría dar mala imagen fuera de EE.UU. Allí en cambio este retrato de héroes y de la historia del país tan manipulador se suele recibir muy bien, aunque en esta ocasión inesperadamente ha pasado sin pena ni gloria.

La cinta es un descarado anuncio de las fuerzas armadas, una reescritura de la política internacional, del intervencionismo y las guerras que va montando Estados Unidos por todas partes. No cabía esperar una elaborada visión global del conflicto con el terrorismo islámico, ni autocrítica, pero de ahí a la simplificación y exaltación que hacen hay un trecho muy grande.

El protagonista es un héroe hecho a sí mismo por arte de magia, la enésima representación infantil que tienen muchos estadounidenses de sí mismos. Sin experiencia real ni esfuerzo visible es un ser perfecto que logra todo sin despeinarse y sin dudar en el apartado ético. Su entereza y capacidades sacan lo mejor de sus compañeros, gente corriente, incluso algo tonta, pone en su sitio a generales ligeramente obtusos si hablamos del ejército norteamericano y paletos e incompetentes cuando se retrata a los aliados, y resuelve él solito la guerra (prácticamente eso dice la película) masacrando a las hordas de terroristas.

Si ya producía algo de recelo que este don nadie respondón dé lecciones a sus superiores con cuatro frases estúpidas, lo del general afgano alcanza cotas de vergüenza ajena e incluso de insulto a la inteligencia del espectador. El veterano que lleva décadas en guerra contra los talibanes, que se conoce el país y sus gentes al dedillo, es representado como un paleto descerebrado al que nuestro flamante héroe salva y rescata en los primeros combates y va educando con sus estrategias superiores y su moral intachable.

Pero claro, qué se puede esperar de un panfleto manipulador que expone la misión del comando como la liberación de Afganistán y la victoria en la guerra. El que EE.UU. armara a los afganos y a otros tantos en los años setenta para fastidiar a la URSS y que ese conflicto y esas armas hayan propiciado el alzamiento de Al Qaeda ni se menciona. Obviamente, tampoco se va a señalar que el ataque contra Afganistán fue una represalia, una invasión en toda regla sin garantías de que estuvieran ahí los altos mandos de Al Qaeda, y que fue justificada luego de mala manera con las mentiras de las armas de destrucción masiva. Tampoco se va a señalar que la farsa ha durado años dejando un reguero de muertos incontable, incluyendo miles de soldados propios (imágenes que se cuidan de ocultar), ni que estas acciones sumadas a las retenciones y torturas de cualquiera que señalaran como terrorista ha creado nuevos enemigos (el ISIS) y azuzado las guerras en la zona, que ahora está más desestabilizada que nunca y ha provocado un aumento brutal de atentados en occidente. Hay que ensalzar al héroe y al país, y para eso no se puede contar la verdad. Sin ir más lejos, la misión real del comando era básicamente de infiltrarse y localizar blancos en el terreno para los bombardeos, pero eso no es suficientemente épico, así que casualmente el avión se queda sin combustible o los aliados afganos tienen rencillas entre ellos para que nuestros héroes lideren las batallas contra miles de enemigos.

Si la descripción de personajes es superficial y la de los hechos deliberadamente limitada, los diálogos no se quedan atrás. Infinidad de clichés, frases legendarias forzadas y sandeces pseudo heroicas salpican cada escena, convirtiendo la proyección en algunos momentos en una comedia involuntaria. El lema “No seas un soldado, sé un guerrero”, me sacó una carcajada bien grande.

El acabado es mejorable, pero al menos cumple sin muchas carencias. Rodando en Méjico y añadiendo unos pocos efectos digitales (montañas, pueblos) consiguen un Afganistán realista y vistoso, pero al final la promesa de tener una buena aventura en esos parajes (la misión de infiltración del personaje de Michael Peña por la parte más dura del desierto ni la vemos) y de tener una gesta militar de impresión no da tanto como se podría exigir. El desconocido director Nicolai Fuglsig llega con lo justo para conseguir un producto decente, con un ritmo correcto y unas escenas de acción entretenidas, pero de ahí a impresionar hay un gran trecho. Se limita a cuatro planos de cada bando disparando sin más escenificación, y muchas veces, a pesar de luchar frente a frente, no sabes dónde está cada grupo y protagonista, en qué dificultades se encuentra y qué salidas tiene.

Lo único bueno de la propuesta son algunos actores. El carisma de Chris Hemsworth, la valía de Michael Shannon (Boardwalk EmpireTerence Winter, 2010-) y la simpatía de Michael Peña (aunque sea encarnando al eterno latino gracioso) son capaces de levantar sus pésimos personajes y dar un aspecto de seriedad. Pero con el poco esfuerzo que ponen los guionistas, el resto del grupo queda limitado a extras sin nombre, así que poco puedes interesarte por su odisea.

12 valientes sólo logra entretener si eres capaz de hacer caso omiso a su tono propagandístico, y aun así no causa mucha impresión. Así que no puedo dejar de volver a recomendar El único superviviente. Esa sí que es correcta en el guion (sencillo pero más neutral) y deslumbrante en la gesta militar.